[Review] The Humans (2021)

"And now, maybe loving someone long-term is more about deciding whether to go through life unhappy alone, or unhappy with someone else?" - Aimee (Amy Schumer)

A movie set in a single room is nothing new, yet for this play-based depiction of annual family outbursts, it's never quite the same. Unlike any other which mostly turns into a neverending shouting match, The Humans' means of storytelling is never wide and exposed. Instead, it's compact, brief, brimming with mysterious intentions that many times even ascend into horror impulses. Sporadically, it chooses to go to some lengths with its heated exchanges, veering more into revealing the intense, sincere inner feelings. Yet, it never remains exactly that way. As soon as The Humans reaches a certain emotionally revealing point, it retracts itself, stepping back a couple of steps then resuming its usual pattern of appropriateness. By doing this seemingly mundane means, the movie constantly sustains its intriguing gist, carefully sewing these undertones in between the loving, warm Thanksgiving backdrop. 

In contrast to its passing conversations, the camera lingers, focuses on insignificant objects every now and then, unconsciously and eerily dissociating itself from the whole discourse but never physically leaving. When the same camerawork is applied to each character, however, it achieves a different effect: we see them in their everchanging nuances, allowing their underlying shame, guilt, and anguish to be implicitly expressed through the lens. This subtle contrast between dialogue and visuals is essentially what sets The Humans apart from its counterparts, a contrast that makes us realize how humans' embarrassment of vulnerability and avoidance of truth can translate into something akin to growing overwrought trepidation. It's a horrific feeling so nerve-wracking yet it's almost impossible to look away, and in the end, you just can't help but keep digging till its very core. Interestingly, The Humans never once arrives at that final destination, as it doesn't offer a rush of cathartic sentiments, but rather a mere silhouette of human emotions spectrum that aligns well with its diegetic humane scope. With equally strong cast dan dynamic directorial choices, The Humans is an atmospheric roundtable drama that packs more questions and context than answers and exposition, making it one of the more interesting outings of the year, featuring quite possibly one of the most effective uses of cramped settings in the genre.

Read More

Rizky Muzakki Wednesday, January 05, 2022  1 comment

[Review] Autumn Sonata (1978)

“Are the daughter's miseries the mother's triumphs?” - Eva 

In cinema filled with dysfunctional family dramas, Ingmar Bergman’s works often loom conspicuously. From Scenes from A Marriage to Cries and Whispers, his grip on this heavy subject has long been both celebrated and cerebrated. Autumn Sonata, the first and last collaboration between the two incomparable Bergmans: Ingmar and Ingrid Bergman, is one of those hefty formidable dramas. Through the estranged relationship between a daughter, Eva (Liv Ullmann), and her concert pianist mother Charlotte (Ingrid Bergman), Ingmar Bergman gazes at their stirring spectacle of disquieting, perpetuated emotional injuries. Here, there are countless feelings embedded meticulously, but all of them are tied up by one notion in common: the perplexity of emotion itself. As much as the concept of emotion can be defined in terms of universal semantics, such as anger, sadness, fear, guilt, love, etc.; the emotion, in general, is a fuzzy concept to describe, and their existence to each other can be as all-encompassing as they can be outwardly incongruous. This thesis, manifested along with a stellar cast, truthful direction, revealing dialogue, and incarcerating cinematography, bring an honest, unposed face to its distrust-rooted delineation.

Like some of his tortured family depictions, Ingmar’s aesthetics are never really reliant on being extremely adorned, but underneath those dusty sepia-tinged frames, it’s a skilfully choreographed piece of dramatic triumph. Together with cinematographer Sven Nykvist, Autumn Sonata’s camerawork moves slowly and often follows the actors’ movement then zooms in on them, only for the frame to be crammed with their faces, fully focusing on their emotions and expressions. It’s so restrained to the point that the diegetic space we’ve left with feels more and more claustrophobic with time. These close-ups perform as an unceasing microscope to capture every minute detail of their face features’ mobility: eyes twitching, forehead lines folding, downturned mouth, to their constantly vivid and unconcealed pores; we notice one thing and many things at once, as they unfold and as they fade. Quietly confrontational and in a way, obtrusively unassuming, these shots reduce their facades away, layer by layer, motif by motif, until there’s no room left to hide. 

Bergman's script is attentively constructed all over the gentle but assured emotional exposition—in the silence, everything unfurls and in the clutter of words, the truth conceals. Despite being a melodrama in spirit, Autumn Sonata is very controlled in its overarching outlook of long-repressed feelings. Between the cinematography and the dialogue, the two form an intense, often unnoticed relay race that composedly begins to unearth a giant, ambivalent force of love and hate. The dialogue establishes the two stark personas as it cuts deep into them. In its first act, Bergman uses dialogue brilliantly to show context but rarely to expose them. The essential is faint to the ears and overlooked to the eyes. During its first minutes, the dialogue between Eva and Charlotte sometimes takes detours from the actual gist of what Bergman is trying to tell, all while hinting a deeper theme underneath its surface that is still clearly evident every now and then. In the absence of the dialogue, the camerawork takes over, capturing their unspoken words that are locked away in their guarded chambers while each one tries to play by their socially acceptable roles and norms. All the love, although is never explicitly told, seems to shift back and forth between genuine and performative. It's not until later when everything gets progressively intense: the dialogue becomes more direct, the past becomes barer, and the pain becomes truer. At this point, all their silent thoughts come to light unapologetically, all at once. It's downright brutal and distressing, but only then do they feel real. The length that Bergman goes to surely takes patience, but this finely tuned rhythm is what makes the grit of their relationship even more hard-hitting. 

Aside from being an Ingmar Bergman's grand drama with groundedly detailed technicality, Autumn Sonata, more often than not, is also an acting vehicle for its two most formidable Scandinavian stars. As Eva and Charlotte, Ingrid Bergman and Liv Ullmann bring in two unparalleled deliveries that are incredibly dynamic and full-force in the midst of its family turmoil. When we're introduced to Eva, her face bursts with joy and smiles but her eyes brim with uncertain disquiet. She's as uptight as she's elated to finally see her mother Charlotte after seven years. As soon as Charlotte arrives, she hops off her car, in a sophisticated beige outfit and sprucely coiffed hair, an obvious obverse of her own daughter. As two antithetical characters, they lovingly talk to each other with such excitement, trying to reconnect again, convinced they've looked past their lineal demons, only to find that their whole life they haven't—they've simply looked the other way. 

As their conversations grow sorer, we discover the past and the revelations, maturely anchoring both slants without vilifying one another. One of their first unuttered dissonances is remarkably shown in the piano scene. With them both trying to bond over music, the scene is thoroughly serene. The only thing that can be heard is Eva's imperfect attempt at Chopin's piece, yet the camera lingers on Charlotte's face. Charlotte listens and heeds cautiously, leniently forbearing for a minute then hushedly peeved in the next, all while sustaining her discreet bit of a show. "I liked you," Charlotte politely dodges her daughter's pining for approval, torn between her motherly image and concert pianist persona. Subsequently, she proceeds to play her interpretation while dissecting the piece lengthily. Eva is visibly upset but continues to come along anyway. She softly contemplates her mother's face: engrossed, determined, and passionate. Eva droops her posture a little, for a moment her mind is elsewhere, then she comes back and dismally stumbles upon a fact: it's her first time seeing her mother's genuine, bare affection her whole life. And that's through music, not her. Bergman and Ullmann play this scene masterfully, veering to and fro between their extensive vocabulary of nuances. But this scene is just a slice of their brilliant command of acting. As more secrets get unlocked, more truthful and aching clashes burgeon. The reality continues to catch up with them until they're trapped within the irreversible state of harsh realization—that they're each other's constant reminder of failures and damages. In that state, every dialogue is retrospective, a looking glass to each passive-aggressive memory, and a cynical attempt at emotional abreaction. The weight gets bigger and louder, and so does their acting. Inside and out, it's a masterful acting marathon in which every powershifting is finely drawn from time to time.

Autumn Sonata, is just painful. It's part melodic and part ugly-sounding, but like Charlotte's perfect description of Chopin's prelude, it's meant to sound wrong. This translates well to their story: Eva longs for her mother's affection meanwhile Charlotte devotes her life entirely to music, it's a sharp observation of unreciprocated love, hidden guilt, and embellished ugliness that simply rings true. Powered by its commanding performances, Autumn Sonata sees Ingmar Bergman voyaging his account of dark family-centric underbelly through the confined, discreetly thrilling setting of stillness, chaos, and everything in between. From the dissembled propriety, abrasive reverie, up to the moments when all hell breaks loose, this small 99-minute wonder lets us absorb and drench completely in it, slowly inviting us to experience the never-ending spectrum of human misery. Agitated, embarrassed, wretched.

Read More

Rizky Muzakki Thursday, September 24, 2020  No comment

[Review] Little Women (2019)

"Please fight to the end, be LOUD! Don't just quietly go away!" - Jo March 

Watching Little Women had me pondering question after question. What makes a great film, great? Then, that question expanded: what makes a great film, important? I still haven't got the chance to find answers and one thing came up: how is one deemed important anyway? The scale, the scope, the stakes? I found myself fascinated by one thing, then one fascination came right after another, and so on. Director-screenwriter Greta Gerwig, in this Louisa May Alcott's latest film adaptation, poses these deep-rooted thoughts about the importance of telling one's story, that the scope of sisters in their childhood and adulthood is as large as any other supposedly bigger stories. It's blunt and graceful, playful and firm, heartwarming and heartrending. Greta breaks down and analyzes Alcott's already modern writing, molding it into another form that further broadens Alcott's vision with intelligence, insight, and tenderness. 

Between the stories, themes, and characters Alcott has brought, Greta finds an emotive core to sew the seams and hem the border of each parallel, allowing those separating lines to unite Alcott's intricate sense and sensibility. More than redefining its narrative structure and reharmonizing its source, Greta injects her expressive creativity into our consciousness: from introducing the characters as adults longing for their memories of childhood to giving them their bigger voices. With that amount of liberty, she alters things but the heart remains congruent. One thing to note is how Greta is not afraid to go beyond Jo's story to mirror Alcott's real-life struggle. Here, Alcott's clear-cut persona is always present and valued, not just as the distinguished writer, but a woman with her own unique, empowered thoughts—an homage in the highest form.

We're no stranger to a non-linear narrative, but Greta's interpretation conveys determined gravitas. Those specific timelines sustain specific purposes, helping us understand the endeavor that stands between chasing ambitions and the haunting memories that follow. Her interpretation shows that one's life is not merely a one-way journey where everything moves forward in a prospective canon, life is also a reflection of memories, one that could be reframed as both an introspect and a retrospect. But these characters are not always talking about big dreams, it's about the complexity and the correlation of everything: womanhood, childhood, marriage, freedom, loneliness, love, and its lack thereof. These themes are presented skilfully through her acute understanding of dynamics: often overt, at times guarded, a mud-caked allure of growing up that brings overlooked inner agitations to light.

Greta's script shows a different way of viewing things, one that we may have seen before, yet her methods of creating such lens are very distinct—for one thing, she gets the point. She gets her way around each character, giving them grounds as well as delivering us answers of "why are they here?". She simply sees them as people trying to live their lives and paints them so, creating a space between us and the characters to breathe for one moment but leaving us in one room so we can recognize each other from a near distance. We see ourselves in Saoirse Ronan's Jo: her willingness to strive for something regarded as radical is powerful yet the absence of companionship in her life is perfectly intelligible. On the other hand, we also mirror Florence Pugh's Amy as she unravels the long-buried side of her perspective, bridging a gap between a misunderstood character we thought we knew and her true native wit. How Greta embraces reality with delicacy on one end and firmness on the other has become the singularity in her art since Lady Bird—or her early collaborations with Noah Baumbach—but her reinvention of this beloved, familiar story has created a new larger surface for us to walk onto, a warm quilt for us to take time and be engrossed in this intimate life's intricacy.

Read More

Rizky Muzakki Tuesday, January 21, 2020  1 comment

[Review] How to Train Your Dragon 2 (2014)

 "You have the heart of a chief. And the soul of a dragon." ~ Valka

Kalau saja tak rilis di tahun yang sama, DreamWorks bisa jadi membawa pulang Oscar untuk How to Train Your Dragon. Memang tak bisa disalahkan, karena di tahun itu ada Pixar dengan Toy Story 3 yang amat luar biasa. Tapi, siapa sangka How to Train Your Dragon mampu tampil luar biasa tahun itu, baik secara kualitas dan kuantitas. Meski harus mengalah dengan studio kompetitor terbesarnya, siapa pun tak dapat melupakan bagaimana How to Train Your Dragon, yang dari judulnya saja terdengar aneh, mampu menjelma menjadi salah satu karya terbaik yang pernah studio animasi ini hasilkan.

Kini, mengekor kesuksesan 'sang kakak', DreamWorks Animation menelurkan sekuelnya, How to Train Your Dragon 2. Selama ini kita selalu mendengar asumsi bahwa sekuel selalu buruk dan dibuat hanya untuk mengejar pundi-pundi dollar semata. Well, that's half true, sebagian besar sekuel hadir dengan kualitas menyedihkan dibanding pendahulunya. But, that's also half not-true. Beberapa di antaranya, mampu dikemas dengan kualitas yang dapat menyamai, bahkan dapat melampaui kualitas si predcessor. Aliens, Evil Dead 2, Spiderman 2, X-Men 2, Before Sunset, The Dark Knight, that legendary Godfather: Part II, and the list goes on... Pertanyaannya, mampukan How to Train Your Dragon 2 mengisi daftar sekuel mumpuni lain, atau sebaliknya, makin memperbanyak daftar sekuel gagal yang tak ada habisnya?

How to Train Your Dragon 2 dibuka dengan narasi khas sekuel: sebuah perkenalan yang mengisahkan apa yang terjadi setelah kejadian di prekuelnya. Tepatnya, apa yang 5 tahun kemudian terjadi setelah Hiccup mampu menaklukkan Toothless. Ya, bangsa Viking telah berubah, tak ada lagi 'mindset' 'kill-or-be-killed', mereka telah mampu hidup berdampingan dengan para naga. Tak sampai di situ, sebagai ganti perlombaan menaklukkan naga, diadakanlah perlombaan menangkap domba-domba 'terbang' sembari menunggang naga peliharaan mereka.

Tapi, Hiccup (Jay Baruchel) berbeda dengan Astrid (America Ferrera), Snotlout (Jonah Hill), Fishlegs (Christopher Mintz-Plasse), Tuffnut (T.J. Miller), dan Ruffnut (Kristen Wiig) yang sibuk dengan permainan mereka. Ia lebih memilih menyendiri bersama Toothless, dan asyik sendiri dengan dunianya, menunggangi Toothless sembari memperlihatkan aksi-aksi akrobatik dan menjelajahi dunia yang belum pernah siapapun pijaki. Dunia ini mengarahkannya pada sebuah daerah rahasia tempat naga-naga liar tinggal, di saat itu pula ia mengetahui bahwa ada seorang kejam bernama Drago Bludvist (Djimon Hounsou) yang ingin menguasai seluruh naga itu. Hiccup dan kawan-kawannya pun terjebak dalam sebuah peperangan yang bukan hanya mempertaruhkan kelangsunganhidup para naga, tapi juga dapat mengorbankan nyawa bangsa Viking.

Secara keseluruhan, How to Train Your Dragon 2 memang tak menghadirkan plot yang imaginatif dan out-of-the-box a la saingannya Pixar. Sebaliknya ia memanfaatkan plot yang sebenarnya cukup sederhana mengenai lost parent plus perjalanan bersama naga-naga, namun Dean DeBlois punya langkah-langkah istimewa dan di luar aman untuk menjadikannya sekuel yang dapat menandingi kualitas prekuelnya yang sudah sangat istimewa. DeBlois berhasil dalam bermain-main dengan porsi drama yang lebih digali, selagi makin mengukuhkan nama Hiccup sebagai sang pemberani sekaligus Toothless sebagai naga loyal dan tak kenal rasa takut. Penuh suka cita, dengan suntikan-suntikan emosi yang hadir meyakinkan. Hasilnya, sebuah kisah tak baru namun punya daya magis yang mampu membuat siapapun tak kuasa menolak pesonanya.

Ini adalah eksploitasi drama yang pas, emosional dan mengaduk perasaan penonton, namun dapat diimbangi dengan porsi humor yang menggelitik dan aksi-aksi akrobatik yang menawan. Semuanya hadir dengan dosis rasional, membuat siapapun mampu tertawa terbahak-bahak meski dengan keadaan mata sembab. Mungkin kita dapat mengkritisi plot 'alpha' yang jelas-jelas merupakan sebuah plot device untuk mencapai titik emosional yang diperlukan, tapi toh akhirnya hal itu mampu mengaduk-aduk emosi dengan baik, jadi tak ada yang harus dipermasalahkan. Tapi, di luar itu, sekuel ini juga sebenarnya bukanlah karya sempurna. Karakter Astrid hadir dengan ruang yang kurang untuk berkembang lebih jauh, masalah juga ada pada sifat keras kepala Hiccup, yang kadang memang terasa menyebalkan karena kurangnya penjelasan.

Tapi hal-hal itu tak mengurangi kenyataan bahwa film ini adalah animasi yang solid. Salah satu alasannya, adalah karena DeBlois memegang tiap kuasa di sini. Ia bukan hanya sekadar penulis yang berkutat dengan bagaimana membuat sebuah cerita berkelas, ia juga seorang sutradara, seorang pemegang kunci dan penerjemah tiap lembar naskah dan menjadikannya tontonan istimewa sesuai dengan visinya. Dengan kekuasannya yang 'tak terbatas', DeBlois mampu memanfaatkan itu untuk menjadikan How to Train Your Dragon 2 sebuah perjalanan combo genre, lengkap dengan pacing halus. Letupan-letupan emosi yang mengisi tiap drama mampu dikemas dengan sangat baik, bergantian dengan aksi-aksi yang kian mengokohkan intensitasnya. Dengan kemampuannya pula, ia berhasil mengembangkan konflik yang kian dewasa dan besar, yang tak hanya melibatkan krisis diri Hiccup seorang saja, tapi menampilkan perjalanan karakter luar biasa dari sang tokoh utama, Toothless. Bukan lagi from zero to hero, melainkan from hero to even greater hero. From an exciting adventure to more exciting adventure.

Kualitas voice cast-nya masih hadir dengan kualitas gemilang, di tambah kehadiran beberapa 'pendatang baru' dalam franchise ini. Salah satunya adalah Cate Blanchett, yang hadir dengan performa menakjubkan sebagai the lost mother sekaligus the true badass, seorang pahlawan yang bukan hanya menumpas kegelapan, tapi di sisi lain, ia punya depth dan kekuatan emosi yang tinggi. Salah satu hal yang patut dipuji adalah bagaimana DeBlois perlahan memasukkan karakter ini dalam cerita. Di awal memang canggung, namun perkenalan ini membawa hawa misterius yang begitu sesak sekaligus memancing tanda tanya besar penonton. Suatu hal yang luar biasa dalam memperkenalkan seorang badass! Jangan tanya lainnya, karena yang pasti, semua mampu menjalankan tiap tugasnya begitu baik. Dari Jay Baruchel hingga Gerard Butler, mampu mengisi porsi drama dengan baik, sementara trio Kristen Wiig, Jonah Hil, dan Christopher Mintz-Plasse juga sukses membawa relief-relief komikal yang menghibur dan sesak tawa.

Salah satu peningkatan pesat lain, tentunya ada di tangan teknis. Dibanding kualitas animasi predecessor yang dulu dikritisi kualitasnya karena tak mencerminkan studio sebesar DreamWorks Animation, kini tentu mereka belajar lebih jauh, dengan kualitas yang lebih halus dan eye-candy di atas sang pendahulu. Lihat rupa Hiccup serta Astrid yang kini kian matang dan lebih realistis. Tak berhenti di situ, How to Train Your Dragon juga punya jajaran-jajaran teknis lain yang tak kalah solid. John Powell, komposer langganan DreamWorks nyatanya memiliki ribuan cara yang tak habis-habisnya menemani tiap aksi agar berjalan lebih epik, dengan lantunan nada orkestra megah yang menggebu-gebu dan ornamen etnik di sana-sini.

Ini memang luar biasa. How to Train Your Dragon 2 bukan hanya melulu tentang sebuah animasi penghibur segala umur yang mujarab. Di sisi lain, film ini tetap membawa drama penuh kehangatan dan pesan moral yang tetap kaya, yang semuanya mampu ditata rapi dalam screenplay-nya yang padat dan arahan DeBlois yang memikat. Secara kisah, tak ada sesuatu yang inventif, namun dengan pengemasan mumpuni, How to Train Your Dragon 2 adalah perjalanan menyenangkan dan penuh daya magis, mampu bermain di luar aman dengan ornamen-ornamen yang kian matang dan menyenangkan dengan bantuan jajaran teknis yang jauh di atas level pendahulunya. Yeah, this is an extremely fun ride, and also a proof that 'the sequel curse' is an outdated assumption!

Read More

Rizky Muzakki Saturday, June 28, 2014  No comment

[Review] Maleficent (2014)

"Oh dear, what an awkward situation." ~ Maleficent

Siapa tak kenal tahu Sleeping Beauty? Kisah klasik yang pernah difilmkan oleh Disney pada tahun 1959 ini sampai sekarang memang dikenang sebagai salah satu film terbaik Disney. Tahun ini, kisah itu kembali, namun hadir dengan sudut pandang berbeda. Bukan lagi berpusat pada kisah Aurora, melainkan memusatkannya pada perspektif sang antagonis, Maleficent. Dengan kulit hijau, penampilan gothic, serta rasa tak kenal ampunnya, Maleficent memang dikenal sebagai salah satu villain tersohor dari universe Disney. Dan, kini ia hadir lewat naskah dari Linda Woolverton dan arahan dari sutradara Robert Stromberg.

Di awal kisah, narasi yang dibacakan Janet McTeer memperkenalkan penonton dengan seorang peri kecil baik hati bernama Maleficent (Isobelle Molloy) yang tinggal di Moors, wilayah penuh makhluk aneh yang memisahkan mereka dengan dunia manusia. Suatu hari, ia bertemu seorang anak manusia bernama Stefan, di mana hubungan mereka akhirnya berkembang dari pertemanan menjadi percintaan. Tapi, ketika keduanya telah dewasa, ambisi Stefan untuk menaklukkan kerajaan manusia membuatnya berhenti mengunjungi Maleficent (Angelina Jolie). Tak sampai disitu, demi menjadi seorang raja dan membalaskan dendam King Henry yang sakit-sakitan kepada Maleficent yang menggagalkan langkahnya dalam menaklukkan Moors, ia akhirnya memotong sayap Maleficent dan meninggalkan Maleficent dalam dendam.

Maleficent yang kehilangan sayap, kini larut dalam sakit hati dan kesedihan, yang membuat hatinya menjadi hitam dan penuh dendam terhadap manusia, khususnya King Stefan. Rasa sakit hati dan dendamnya makin menjadi, saat Stefan menikah dengan putri King Henry, apalagi ketika ia diberitahu oleh tangan kanannya, Diaval (Tom Riley), bahwa kerajaan akan mengadakan pembaptisan besar-besaran terhadap Aurora, anak King Stefan yang baru saja lahir. Di tengah meriahnya acara, Maleficent datang secara tiba-tiba dan memberikan 'hadiah' kepada Aurora, bahwa ia akan jatuh tertidur selamanya dan hanya dapat dibangunkan oleh true love's kiss.

Breaking the rules dalam industri film sekarang ini memang sedang marak. Lihat Frozen, Despicable Me, atau yang sangat ekstrim: The Cabin the Woods. Hal yang sama dilakukan pula oleh Maleficent, meski reaksinya memang campur aduk. Yeah, i mean, it's Maleficent. Who's supposed to be evil as hell, who's supposed to have no heart, who's supposed to be a villain. Perubahan signifikan yang ada dalam filmnya mungkin mengganggu bagi sebagian orang, tapi mungkin yang ingin melihat Maleficent sebagai sosok antihero yang belum pernah kita lihat sebelumnya, pasti dapat menerimanya. Lagipula, perubahan ini dimaksudkan untuk mencapai nilai moralnya tentang true love dan sebelumnya kita telah diwarnai latar belakang sang peri jahat yang dulunya merupakan seorang innocent little fairy. Bagaimana dengan saya? Well, i don't really mind it anyway, it's kind of fun to see Maleficent as a nicer person, as a human, and as a villain, all at once. Am i the only one? 

But, here's one thing. Kalau menarik ide aslinya yang berasal dari Sleeping Beauty, idenya mungkin terlampau lancang dan berani dalam membongkar-pasang kisah Maleficent yang telah kita kenal selama ini. Tapi, kembali lagi, hal itu sebenarnya kembali ke penilaian penonton yang bisa menerimanya maupun tidak. Saya sendiri, cukup menerima kelembutan yang ditawarkan Maleficent, meski sayangnya, hal itu terkesan ditambahkan dalam porsi yang berlebihan, hingga banyak merenggut sisi villain kejam yang selama ini selalu (dan harus) identik dengan sosok Maleficent. Ya, sekalipun tapi Maleficent tetap saja berhasil meraih simpati saya sebagai sisi hero maupun sisi villain, penampilan sangar dari sang villain sejati terkesan terabaikan dengan sisi humanis yang mungkin terlalu manis.

Tapi, masalah utama bagi saya bukanlah datang dari lancang atau tidaknya perubahan yang dilakukan, namun terlalu bertele-telenya naskah racikan Linda Woolverton. Narasi yang dibacakan Janet McTeer dengan berwibawa di awal film memang amat memikat, bagian awalnya memperlihatkan sisi Maleficent kecil yang tentu masih asing bagi kita terasa manis, kisah bagaimana seorang Maleficent kehilangan sayapnya penuh kepedihan, hingga di saat sang villain mengutuk Aurora di acara pembaptisannya dengan bahasa tubuh khas villain. Tapi, dari situ Linda mulai menawarkan rangkaian kisah yang cukup bertele-tele. Entah mungkin maksudnya hanya untuk mengisi durasi 97 menitnya atau menumbuhkan chemistry Aurora-Maleficent, namun memang cukup mengganggu melihat Maleficent yang hanya duduk dan melihat Aurora kecil yang tumbuh sambil mengerjai 3 peri kecil yang merawatnya (it's funny though).

Hal repetitif ini jelas dapat menghalangi banyak hal, terutama dalam memberikan ruang bagi karakter lain untuk berkembang. Pangeran Phillip yang diperankan Brendon Thwaites hanya sekedar muncul dan 'sekali lewat' saja. Akibatnya, chemistry yang terjalin dengan Aurora pun hanya 'sekali lewat' pula, dan twist yang coba dihadirkan pun dapat diterka sebelumnya (meski twist-nya sendiri memang tak baru dan ide dibaliknya memang pernah dipakai dalam salah satu film Disney). Sementara itu, King Stefan yang harusnya menjadi villain sebenarnya dan menjadi motivasi terkuat Maleficent dalam membalaskan dendamnya, hadir dengan waktu yang kurang dalam menunjukkan tajinya sebagai seorang raja haus kekuasaan.

Ya, dan banyaknya kekurangan ini, kekuatan seorang Angelina Jolie bekerja. Ia jelas merupakan bagian terbaik dari semua yang Maleficent bisa tawarkan. Lengkap dengan penampilan yang begitu mendukung: tanduk spiral panjang berbalut headdress hitam yang menawan, mata tajamnya yang cantik namun menunjukkan citranya sebagai seorang villain, lipstick merah merona yang makin menegaskan posisinya, hingga tulang pipi menonjol itu, Jolie jelas tak menyia-nyiakan hal itu dengan menunjukkan performa luar biasa, yang kalau boleh jujur, performa terbaik yang pernah saya lihat di tahun ini, dan pastinya salah satu performa terbaik yang pernah pemenang Oscar ini tawarkan (even though i haven't watched Changeling and Girl, Interrupted yet, what a shame).

Angelina Jolie adalah nyawa dan bintang yang bersinar terang. Ya, tak ada yang mampu menghidupkan setiap dialog, termasuk dialog sesederhana 'Well, well,' dan memberikan aroma gloomy yang luar biasa. Di awal, kita diperlihatkan ketangguhan Jolie dengan gaya bicaranya yang tegas dan garang namun tetap anggun dengan kedua sayap cantiknya. Kita dapat melihat dengan jelas betapa pedihnya ia ketika harus menerima kenyataan bahwa sayapnya telah dicuri, tapi bukan sekadar itu, kita juga dapat melihat kepedihan setelah dirinya dikhianati. Lalu, lihat bagaimana ia bertransformasi menjadi peri jahat berbalut pakaian serba hitam, dengan tatapan tajam dan senyumnya yang infeksius, lengkap dengan intonasi yang mampu membuat siapapun bergidik hanya dengan mendengarnya. A+ for you, Jolie!

Sekalipun saya tak terlalu mempermasalahkan langkah Linda Woolverton dalam mengubah konstruksi kisah aslinya, sayangnya langkah untuk mengubah Maleficent menjadi antihero ini terlalu jauh dengan porsi yang mampu menutupi sisi jahat Maleficent itu sendiri. Tapi, masalah utama ada dalam cara film ini mengantarkan penonton menuju konklusinya. Awalnya tergolong sukses, namun lama-kelamaan, langkahnya sangat repetitif dan bertele-tele, yang mengakibatkan beberapa karakter menjadi mentah dan twist-nya cukup predictable, karena keputusan Robert Stromberg yang terlalu asyik bermain-main dengan Maleficent-nya. But, thank God, ada Angelina Jolie yang bermain sangat apik dan magical sebagai Maleficent yang didukung pula oleh kekuatan CGI yang megah. Ya, potensinya begitu besar: sebuah penghidupan kembali kisah klasik yang diambil dari perspektif berbeda, bukan sembarang sudut pandang, namun datang dari perspektif sang antagonis. Sayang, potensinya terenggut dengan naskah mentah, tapi, untungnya Angelina Jolie hadir sebagai penyelamat di tengah potensi yang tak berhasil dieksekusi dengan baik.

Read More

Rizky Muzakki Friday, June 13, 2014  No comment

[Review] The Croods (2013)

"I... have... an... idea!" ~ Grug

Selama ini, ada 4 studio besar yang menguasai industri film animasi dunia. Yang pertama, tentu dari Hollywood, Pixar, yang dikenal berkat animasinya yang bertema out-of-the-box, heartfelt, penuh pesan, dan heart-warming, tak ketinggalan kualitas CGI yang fantastis. Yang kedua, ada Disney, rekan Pixar, yang baru-baru ini sukses bangkit lewat Wreck-It Ralph. Yang ketiga, kita meluncur ke Negeri Sakura, di mana ada Studio Ghibli, yang dikenal pula karena produksi-produksi film animasi hand-drawn 2D-nya yang bukan hanya emosional dan penuh moral, namun juga menawarkan kadar fantasi yang (sangat) jauh di atas rata-rata. Terakhir? Lagi-lagi datang dari Hollywood, tentu saja, si rival abadi Pixar, DreamWorks Animation!

Berbeda dengan Pixar yang biasanya lebih heartfelt, maka pada umumnya, kualitas film dari DreamWorks Animation lebih mengedepankan humor, meski tetap tak menghilangkan unsur emosional di dalamnya. Dari tahun ke tahun, film produksi kedua studio ini kerap bersaing ketat. A Bug's Life vs. Antz, Monsters, Inc. vs. Shrek, hingga Toy Story 3 vs. How to Train Your Dragon. Tahun ini pun, DreamWorks yang hadir lewat The Croods kembali bersaing dengan film rilisan Pixar, Monsters University. Namun, tentunya kali ini saya tak akan me-review Monsters University untuk kedua kalinya, melainkan beralih pada film yang baru-baru ini dirilis DreamWorks Animation dan disutradarai oleh Chris Sanders dan Kirk De Micco, The Croods.

The Croods adalah nama sebuah keluarga manusia purbakala, yang terdiri dari si ayah, Grug Crood (Nicolas Cage), beserta istrinya Ugga (Catherine Keener), dan anak-anaknya Eep (Emma Stone), Thunk (Clark Duke), juga si kecil Sandy (Randy Thom), tak ketinggalan ibu Ugga, Gran (Cloris Leachman). Grus sendiri adalah seorang ayah yang oveprotective, ia selalu mengajarkan bahwa hal-hal baru itu buruk dan akan berakibat fatal dan segala macam remeh-temeh lain yang ia sebut sebagai 'peraturan', yang intinya bermakna, gua adalah segalanya. Namun, sebenarnya itu semua untuk kebaikan keluarganya, dan keluarganya juga bertahan hingga sekarang berkat usaha dirinya untuk menutup keluarganya dari dunia luar dan selalu mengikuti aturan yang ada.

Namun, ada kalanya ketika aturan-aturan tersebut tidak berlaku lagi. Di kekang oleh tumpukan aturan, Eep yang merupakan seorang adventurou, rebellious, dan punya ribuan rasa ingin tahu, menemukan seberkas cahaya dari luar gua, dan memberanikan diri untuk keluar gua di malam hari. Cahaya itu mempertemukan dirinya dengan seorang caveman lain, Guy (Ryan Reynolds). Berbeda dengan Eep dan keluarganya yang primitif, Guy adalah sosok yang cerdas dan selalu memiliki ide-ide cemerlang di otaknya. Guy jugalah yang memberitahu Eep bahwa ia akan mengelana jauh, karena dunia akan mencapai titik akhirnya. Dan sampai di sini, keluarga Crood tampaknya harus segera melepaskan atribut 'aturan' yang selama ini mengekang mereka.

Mengenai naskah yang juga merupakan hasil kerja duo Sanders-De Micco, sebenarnya tak ada yang benar-benar baru di dalamnya. Dari cerita yang dihadirkan, terasa sangat familiar. Pernah menonton The Flintstones, kan? Bagaimana dengan Ice Age? Kalau sudah pernah menonton keduanya, maka saya jamin, anda akan merasakan hal yang sama dengan saya, bahwa kisah dalam The Croods bagaikan sebuah déjà vu. Bagaimana tidak? Dengan karakter-karakter manusia purbakala ala Fred dan Wilma, namun dengan latar yang kurang lebih mengingatkan kita pada Ice Age, minus tumpukan salju itu, tentunya. Karakter-karakter yang dihadirkan pun, lahir dengan pengkarakteran yang konvensional dan tak segar lagi.

Namun, apakah dengan begitu, naskah ini menjadi sebuah naskah gagal? Sama sekali tidak! Di balik kekurangannya, The Croods berhasil bertahan lewat kelebihan-kelebihannya yang begitu memikat. Salah satunya? Mari berteriak bersama-sama: humor! Ya, dari menit pertama hingga kreditnya muncul, yang penonton lakukan adalah tertawa, tertawa, dan tertawa, terbahak-bahak kalau perlu. Naskahnya saya akui memang cerdas dalam menghadirkan runtutan dialog witty dan humor slapstick yang bertubi-tubi, dan hebatnya, hampir seluruhnya mampu mengantarkan penonton dalam lautan penuh gelak tawa. Di sisi lain, The Croods juga menghadirkan beberapa momen emosional, meski dengan porsi yang jungkir-balik jika dibandingkan dengan humornya. Meski sedikit, momen-momen ini saya akui tetap berhasil dalam menyelesaikan misinya.

Salah satu kelebihan lain The Croods adalah bagaimana duo sutradara Sanders-De Micco mengemasnya dengan pacing yang tergolong cepat, sehingga membuat The Croods menjadi tontonan yang sama sekali tak lelah untuk terus disaksikan. Film ini memang punya segalanya untuk sebuah animasi fast-paced, bahkan termasuk adegan-adegan action yang dikemas dengan sangat baik, hasilnya adalah scene-scene yang thrilling, entertaining, dan... lucu. Siapa sih, yang tak terhibur dengan scene 'breakfast time' itu? The Croods juga cukup cerdas dengan menempatkan scene tersebut di paruh awal, sehingga sedari awal, sebenarnya penonton telah 'dirantai' di kursinya masing-masing, sehingga takkan ada yang bisa kabur sepanjang durasinya. Lagi pula, untuk apa kabur? Karena saya pun tak menemukan alasan untuk kabur dari tontonan mengasyikkan ini.

Voice-cast untuk The Croods sendiri diisi oleh para mega bintang Hollywood, seperti Nicolas Cage, Emma Stone, Ryan Reynolds, serta Catherine Keener. Di lini depan, ada Nicolas Cage, yang dapat mengelus dada juga, karena setelah sekian lama, ia akhirnya mendapat peran yang tepat untuknya, meski yah.. di film animasi, dan itu berarti, dalam memilih peran di film live-action, mungkin masih bisa dipertanyakan. Anyway, Cage sanggup menginterpretasikan sosok ayah yang overprotective dan terlalu terpaku pada aturan dengan sangat baik. Sementara itu, ada karakter Eep yang memukau berkat keberhasilan Emma Stone dalam menyuarakan seorang wanita pemberontak yang berperilaku super tomboy dan pemberani, meski sebenarnya ia memiliki hati yang sangat perempuan.

Ryan Reynolds, di sisi lain, mampu memerankan seorang inovator, sumber segala ide yang 'memiliki otak', serta membentuk chemistry lucu dan manis bersama Emma Stone, yang mampu dikuasainya dengan begitu meyakinkan, meski hanya lewat suara. Last but not least, karakter Gran yang disuarakan oleh aktris pemenang Oscar, Cloris Leachman, mampu mencuri perhatian setiap kali ia muncul di frame. Dengan karakternya yang merupakan seorang nenek, ia mampu hadir dengan perangai yang konyol, lincah, namun kuat. Meski kehadirannya di sini hanya bagaikan sebuah 'alat' The Croods untuk melontarkan humor-humornya, lagi dengan porsi yang dirasa terlalu sedikit, namun karakter ini sangat berhasil menjadi sebuah 'alat' yang begitu efektif dan memikat.

Layaknya produksi DreamWorks Animation lain, The Croods tampil dengan kualitas CGI yang mempesona. Tak hanya itu, dunia versi The Croods juga dihadirkan dengan begitu cantik, memikat, dan penuh warna. Binatang-binatang purbakalanya dibuat seimaginatif dan semenarik mungkin. Dari kura-kura terbang bersayap burung nuri, gajah yang serupa dengan pohon, kawanan burung cantik nan mematikan, kodok berlidah bunga, hingga harimau raksasa dengan belang pelangi. Tak hanya itu, tumbuhan-tumbuhan juga muncul dengan warna yang sangat memikat, dan dengan bentuk yang beragam pula.

Overall, The Croods adalah tontonan yang sama sekali bukanlah hal baru. Plotnya sangatlah familiar, lebih tampak seperti peleburan antara The Flintstones dengan Ice Age. Yah, karakternya memang konvensional pula, namun satu-persatunya mampu memikat lewat lontaran-lontaran dialog yang super witty. Selain itu, The Croods mampu tampil memikat lewat pacing yang cepat serta humor slapstick yang sukses mengundang berton-ton gelak tawa, tak ketinggalan dengan sedikit sentuhan-sentuhan emosional di paruh akhirnya. Voice cast-nya pun, mampu tampil dengan memukau, terutama Nicolas Cage yang akhirnya dapat menemukan film tepat baginya.

Saran saya, lupakan hal-hal cliche dalam The Croods, nikmati saja, karena sekali anda menikmatinya, maka anda tak akan pernah lepas dari rantaian penuh keseruan yang telah dibuat oleh duo Chris Sanders dan Kirk De Micco. Dan ketika anda telah terjebak dalam kandang dengan keseruan tak terkira, seketika itu juga, The Croods mampu menyihir anda dan segera berkata, 'whoaaa, this is a very, very fun rollercoaster!' Sebuah film animasi yang benar-benar menghibur dan super lucu, sanggup menahan anda untuk terus duduk dengan tenang selagi filmnya masih berputar, walau sebenarnya tak ada hal yang benar-benar baru di dalamnya. Manis dan bikin ketagihan!

Read More

Rizky Muzakki Friday, July 12, 2013  1 comment

[Review] Monsters University (2013)

"Yes, you can. Stop being a Sullivan and start being you!" ~ Mike Wazowski

Pixar, rasanya setiap menyebut nama ini, semua orang bak mendewakannya. Ini tidak salah, karya-karya anak perusahaan Disney yang satu ini memang melegenda. Trilogi Toy Story, A Bug's Life, Finding Nemo, The Incredibles, Monsters, Inc., Ratatouille, Up, hingga WALL-E. Meski ada beberapa di antaranya yang dianggap biasa-biasa untuk ukuran Pixar, seperti Cars dan sekuelnya. Sepanjang karirnya, Pixar telah mengantarkan 7 filmnya ke atas podium Oscar untuk Best Animated Feature, termasuk bagi Brave, yang kemenangannya tahun lalu cukup banyak disayangkan oleh orang-orang (termasuk saya). Apalagi alasannya kalau bukan Wreck-It Ralph yang rasanya jauh lebih superior dibandingkan dengan Brave.

Tahun ini, selepas Brave, Pixar kembali memproduksi sebuah film animasi. Ceritanya sendiri bukanlah original story, melainkan diambil dari salah satu karay terbaik Pixar, Monsters, Inc. Mengambil judul Monsters University, film yang satu ini berpusat pada awal mula persahabatan James P. Sullivan dengan Mike Wazowski. Sebagai pengisi suara, masih diisi aktor yang sama, yaitu John Goodman dan Billy Crystal. Begitu pula dengan Randall yang masih diisi oleh Steve Buscemi. Sayangnya, berhubung ini adalah prekuel, jadi anda tak akan menemukan si imut Boo di sini. Dan, sama seperti film Pixar yang terdahulu, sebelum pemutaran film utamanya, diputar sebuah film pendek karya Pixar pula, yang berjudul The Blue Umbrella.

Kisah dimulai oleh Mike Wazowski yang masih berumur 6 tahun (Noah Johnston) yang mengikuti study tour ke Monsters, Inc., seperti yang kita tahu, sebuah perusahaan yang mengumpulkan sumber energi kota Monstropolis lewat jalan menakut-nakuti anak manusia. Di sana, Wazowski bertemu dengan Frank McCay (John Krasinski), seorang 'scarer'  alumni Monsters University yang sedang akan menjalankan tugasnya. Tanpa ia sadari, Wazowski mengikutinya dan melihat Frank menakuti seorang anak kecil. Hal ini, yang nantinya terus memotivasi Mike Wazowski untuk masuk ke Monsters University, dan akhirnya menjadi seorang 'scarer' sejati.

Tiga belas tahun kemudian, Mike (Billy Crystal) yang ambisius dan cerdas berhasil meraih impiannya untuk masuk Monsters University dan akhirnya, tinggal selangkah lagi untuk menjadi seorang 'scarer', namun rupanya hal itu tidaklah semudah yang ia bayangkan. Terlebih, dengan munculnya seorang mahasiswa baru bernama James P. 'Sulley' Sullivan (John Goodman) yang memang memiliki bakat alami untuk menakuti orang lain. Memakai nama keluarga Sullivan yang legendaris, Sulley menjadi sosok yang arogan dan sombong. Ini memunculkan sebuah persaingan ketat antara Mike dengan Sulley, kecerdasan vs. bakat alami.

Naskah Monsters University ini ditulis keroyokan oleh 3 nama sekaligus, yaitu Daniel Gerson, Robert L. Baird, dan sang sutradara sendiri, Dan Scanlon. Kisahnya cukup familiar bagi kita, namun penuh dengan canda tawa, dialog-dialog witty, serta beberapa benang merah yang mengobati kerinduan penonton terhadap Monsters, Inc, yang membuat skrip film ini sangat mudah untuk dinikmati dari segala kalangan. Seperti film Pixar lain, Monsters University juga menawarkan berbaga pesan moral yang disampaikan tanpa harus menggurui penonton. Seperti yang saya katakan tadi, kisahnya familiar, namun, apakah itu menghalangi Pixar untuk membuat kisah familiar ini nantinya menjadi sebuah hal yang kreatif dan out-of-the-box? Hm...

Sebelum menjawab pertanyaan di atas, mungkin ada baiknya kalau kita membawah pengarahan dari sang sutradara, Dan Scanlon. Dalam langkahnya untuk menerjemahkan naskah yang ia buat sendiri bersama dua lainnya, Scanlon saya akui berhasil membawa Monsters University menjadi tontonan yang membuat siapa saja ingin menontonnya, lagi dan lagi. Dengan pacing yang tepat, ia mampu mengendalikan emosi penonton dengan sangat baik. Menjadikan prekuel sekaligus sekuel Monsters, Inc. ini bukan hanya penuh humor di sana-sini, namun juga penuh hati yang cukup untuk menegakkan kembali kepala Pixar yang mulai tertunduk lesu, yah... walaupun tak terlalu banyak memang.

Dalam first act-nya, Monsters University berjalan cukup mulus, namun bagian itu terlewat tanpa kesan yang terlalu 'wah' khas Pixar. Tidak ada opening menyentuh hati seperti Up misalkan, hal yang paling menonjol  dalam babak pertama ini bagi saya adalah ketika Mike Wazowski kecil yang menyelinap ke dalam pintu. Selebihnya, tak ada yang terlalu istimewa. Namun apakah ini merupakan paruh awal yang buruk? Sama sekali tidak. Act pertama Monsters University ini masih dihibur oleh lelucon-lelucon yang berhasil mengocok perut saya, plus ada pula lelucon 'peninggalan' Monsters, Inc. yang membuat saya senyum-senyum sendiri. Selain itu, ada pula sebuah kejutan kecil tentang teman sekamar Mike, yang jujur saja, saya (agak) terkejut. Singkatnya, paruh awal yang menarik dan lucu, namun tak terlalu memorable.

Memasuki tahap kedua, Dan Scanlon mulai menaikkan intensitas film, ditandai dengan masuknya duo Wazowski-Sullivan dengan kelompok persaudaraan Oozam Kappa yang berisi para nerds aneh plus perjanjian mereka dengan Dean Hardscrabble. Setiap cara yang kelompok ini lakukan dalam melewati setiap babak dalam Scare Games pastinya selalu mengundang tawa pengocok perut lewat aksi konyol mereka, namun di sisi lain, ini adalah proses kedewasaan from zero to hero. Mungkin terdengar cliche dan sebenarnya pun, babak ini tak menawarkan sesuatu hal yang baru, namun dengan kesederhanaan serta kekonyolannya itu lah, babak kedua ini menjelma menjadi babak yang super seru dan menegangkan, yang akhirnya, second act yang satu ini ditutup oleh teriakan riuh para mahasiswa Monsters University, dan... penonton bioskop. Namun, rupanya Pixar hanya menjadikan act kedua ini sebagai jembatan, yang di ujungnya, terdapat sebuah kejutan yang menanti anda. Kejutan yang benar-benar khas Pixar!

Ketika saya tak terlalu terkesan dengan first act-nya, dan ketika saya sangat menikmati dan sangat terhibur oleh second act film ini, hal paling jauh lebih memorable justru ada dalam bagaimana Dan Scanlon mengemas paruh akhirnya. Seperti yang ada pada film-film mahakaryanya, Pixar memang kerap mengakhiri kisah-kisah mereka dengan cara yang tak biasa, termasuk dalam Monsters University. Di sini, Pixar tidak secara gamblang mengakhiri kisahnya dengan cara memaksakan jalan cerita yang telah ia bangun. Yang jelas, Pixar kembali mengeluarkan amunisinya yang imaginatif dan di luar pakem. Di third-act-nya, Monsters University mengalami peningkatan yang sangat drastis, terlebih jika kita bandingkan dengan act pertamanya. Hasilnya? Monsters University menutup kisah manis persahabatan ini dengan sebuah perpisahan yang diluar pemikiran siapapun, out-of-the-box, inovatif, kreatif, dan tentunya tak meninggalkan hal yang sangatlah Pixar, emosional.

Soal, voice acting, kedua lead-nya, Billy Crystal dan John Goodman, plus Steve Buscemi, tentunya telah teruji dalam Monsters, Inc. Billy Crystal serta John Goodman mampu mempertahankan chemistry kokoh  dengan humor-humor dan dialog-dialog segar nan tajam, yang pernah mereka bangun dalam Monsters, Inc. Tapi, dari kesemua voice actor dalam film ini, yang melakukan pekerjaan terbaik bagi saya adalah Helen Mirren. Ia bukan lagi seorang ratu kerajaan Inggris, melainkan dapat bertransformasi menjadi seorang kepala  Monsters University yang skeptikal dengan penuh atmosfer dingin, 'angker', 'horor', serta intimidatif. Lagi, lagi, dan lagi, you did it, Dame Helen Mirren!

Visual? Sebenarnya kalau soal ini, tak ada yang perlu dibahas, toh semua juga sudah tahu bagaimana visual hasil kerja tim Pixar. Pastinya, jika dibandingkan pendahulunya, Monsters, Inc., Monsters University punya segalanya. Apalagi, di dalam film ini, kita disajikan beragam karakter penuh warna dalam berbagai macam bentuk yang aneh dan unik. Monster bermata satu hingga puluhan, berkaki berapapun yang anda mau, berkepala hingga lebih banyak dari jumlah jari? Ya, Pixar memang selalu terdepan soal visualnya yang memanjakan mata itu.

Jujur, saya terkejut, dengan fakta bahwa saya sangat menyukai film ini. Secara keseluruhan, Monsters University bukan mahakarya terbaik dari Pixar, namun prekuel yang satu ini sangat ampuh mengobati rasa rindu penggemar berat Pixar yang rindu akan sentuhan lama Pixar dengan third act-nya. Tak hanya membuat penonton senyum-senyum sendiri dengan akhir kisah ini (bukan karena kelucuannya, tapi karena Pixar telah kembali!), namun juga mampu membuat penonton jatuh emosional, tanpa tenggelam dalam kesentimentalisan berlebihan tak berarti. Di sisi lain, Monsters University juga menawarkan lelucon-lelucon jenaka yang sukses membuat saya benar-benar terhibur. Dengan voice acting yang superb dan visual yang top-notch, Monsters University adalah sebuah prekuel yang penuh tawa, decak kagum, hiburan, moral, dan kenangan. It could've been better, namun Monsters University mulai membuka gerbang menuju Pixar yang kita impi-impikan. Memang bukan yang terbaik dari Pixar, namun kalau berbicara film animasi terbaik tahun ini? Rasanya, Monsters University dapat berjalan dengan cukup mulus.

Read More

Rizky Muzakki Tuesday, July 09, 2013  No comment

[Review] Oz the Great and Powerful (2013)

"I don't want to be a good man. I want to be a great one." ~ Oscar Diggs

Siapa yang bosan dengan proyek remake, reboot, atau prekuel film yang rasanya tidak perlu lagi diutak-atik? Anda tidak sendiri, saya pun lama-kelamaan jenuh dengan hal seperti. Meskipun, sebenarnya kalau saja ada film yang ingin diobrak-abrik seperti tadi, saya termasuk yang menunggu kehadirannya. Contohnya, proyek yang satu ini, Oz the Great and Powerful, yang merupakan prekuel dari legenda klasik, The Wizard of Oz, yang diangkat dari novel karya L. Frank Baum berjudul The Wonderful Wizard of Oz. Meski The Wizard of Oz sejujurnya merupakan film yang tak tergantikan dan sayang untuk dibongkar-ulang, namun tetap saja saya menunggu prekuelnya.

Prekuel dari film klasik ini sendiri ber-setting 20 tahun sebelum kejadian di The Wizard of Oz terjadi jadi jangan heran jika tak ada Dorothy Gale dalam homage ini. Pihak-pihak yang menggarap prekuel ini pun tak boleh dianggap remeh. Di bangku sutradara, ada Sam Raimi, sutradara yang sukses menghidupkan 2 trilogi hebat dan saling bertolak belakang, The Evil Dead yang berdarah-darah dan kisah si manusia laba-laba dalam Spider-Man. Sebagai penulis naskah, ada kolaborasi antara Mitchell Kapner serta penulis script Rabbit Hole, David Lindsay-Abaire. Dari jajaran cast, Oz versi Raimi ini juga tak mau ketinggalan. Ada beberapa nama beken seperti James Franco, Mila Kunis, Michelle Williams, dan Rachel Weisz

Sebagai prekuel, Oz the Great and Powerful mengisahkan awal kisah Oz atau Oscar yang menjadi pemimpin dari negeri kaya warna ini. Filmnya diawali dengan seorang pesulap ambisius meski karirnya disitu-situ saja, Oscar Diggs atau Oz (James Franco), yang sedang mengadakan pertunjukan di Kansas. Saat badai mulai datang, seorang angkat besi sirkus mengejarnya, karena menemukan bahwa istrinya telah dirayu oleh Oscar dengan memberinya sebuah kotak musik. Saat sedang mencoba lari, ia menemukan sebuah balon udara dan berhasil kabur dengan menerbangkannya. Namun, balon udara tersebut masuk ke dalam tornado yang membuatnya mendarat ke sebuah negeri bernama sama dengannya, Oz.

Di sana, ia bertemu dengan Theodora (Mila Kunis), seorang penyihir baik yang percaya dialah penyihir yang sesuai ramalan, akan mengalahkan wicked witch yang telah membunuh raja sebelumnya. Oscar yang tak tahu apa-apa mengiyakan perkataan Theodora dan akan menuju Emerald City, meski sebenarnya Oscar bukanlah penyihir sama sekali. Dalam perjalanannya menuju Emerald City, Oscar berhasil menyelamatkan seekor monyet terbang, Finley (Zach Braff), dari seekor singa. Untuk membaya jasanya, Finley yang akhirnya menjadi pengikut setianya. Sesampainya di Emerald City, mereka bertemu Evanora (Rachel Weisz), saudari Theodora yang mengatakan bahwa wicked witch yang tinggal di Dark Forest mampu dikalahkan dengan mematahkan tongkatnya. Lalu, ditemani Finley, Oscar pun memulai perjalanannya, meski ia sama sekali tak tahu apa yang ia hadapi.

Apa yang disajikan duo Lindsay-Abaire dan Kapner dalam naskahnya sebenarnya tak ada yang seistimewa judulnya. Kisah yang ada juga seperti kisah yang telah dipakai dalam beberapa buku maupun film fantasi lainnya, baik vs. jahat, dengan akhir yang dapat diprediksi dengan mudah, bukan hanya bagi yang telah menonton The Wizard of Oz, yang belum pun dapat menerkanya dengan cukup mudah. Namun, apa yang menjadi kelebihan naskah ini adalah bagaimana mereka menyisipkan humor-humor segar kedalamnya, meskipun sebenarnya saya berharap akan lebih banyak terdapat dialog-dialog hangat seperti yang dapat kita temui dengan mudah dalam The Wizard of Oz. Selain humornya, script ini juga memiliki kelebihan lain, yaitu keputusan mereka untuk menambahkan berbagai kejutan dalam naskahnya, yang sukses mengurangi kadar ke-predictable-an film ini.

Selaku sutradara, Sam Raimi saya akui mampu mengemas prekuel ini dengan baik. Ia dapat mengeksekusi porsi-porsi humor dengan sangat baik alias mampu membuat humor dalam bentuk naskah tersebut menjadi benar-benar lucu, hingga dengan sukses mampu membuat saya tertawa dengan candaannya. Raimi juga mampu membuat Oz the Great and Powerful menjadi tontonan yang sangat menyenangkan, enjoyable, dan berhasil membuat saya betah berlama-lama menyusurinya, meskipun dengan durasi yang cukup lama, yaitu 130 menit. Saya sendiri lumayan suka dengan kejutan yang dikemas Raimi, meski saya berharap Raimi bisa lebih menambah efek kejut tersebut, sehingga kesannya lebih 'menyetrum' dan nendang.

Sebagai sebuah homage, bagi saya Oz the Great and Powerful mampu membuat sebuah penghormatan yang baik bagi The Wizard of Oz dengan mengadopsi beberapa hal dari film keluaran 1939 ini. Salah satu contohnya adalah bagaimana film ini mengadopsi transisi monochrome-to-color yang tentunya merupakan sebuah penghormatan yang paling mudah dikenali, karena memang film klasik ini sangat dikenal karena inovasi tersebut. Lalu, ada pula kemunculan singa dan orang-orangan sawah yang merupakan refleksi dari karakter The Cowardly Lion dan The Scarecrow dari The Wizard of Oz. Tak hanya itu, masih banyak lagi bentuk homage yang Sam Raimi lakukan, seperti kemunculan 'proyektor', dan masih banyak lainnya.

Dengan cast yang diisi oleh aktor-aktor jempolan, seperti Oscar-nominee James Franco dan Michelle Williams, Golden Globe-nominee Mila Kunis, hingga Oscar-winner Rachel Weisz, cast ini cukup mampu bekerja dengan baik. Di lini depan, terdapat nama James Franco yang saya rasa cukup mampu memerankan karakternya, meski James Franco memang tak dapat menghidupkan karakter Oz sepenuhnya dengan kharisma yang jauh lebih mantap dan menjadi playboy yang lebih nakal, namun usahanya masih patut diapresiasi. Miscast? Hm, bagi saya tidak juga, namun memang masih ada kekurangan di sana sini, apalagi ditambah kenyataan bahwa ternyata James Franco menggantikan Robert Downey Jr. yang sebelumnya direncanakan akan memerankan Oz (yang mungkin akan lebih kharismatik, mengingat perannya sebagai Tony Stark, no offense Franco...).

Di belakangnya, ada Mila Kunis yang tergolong berhasil dalam perannya sebagai Theodora, meski saya rasa mukanya masih terlalu cantik untuk peran seperi itu (LOL). Michelle Williams tentu tak usah dipertanyakan lagi, dengan karakternya yang hangat, saya rasa ia mampu menyamai Glinda versi Billie Burke dalam The Wizard of Oz, ditambah pula dengan durasi Williams yang kali ini jauh lebih banyak. Sedangkan, ada pula Rachel Weisz, yang mampu memerankan Evanora dengan sangat baik, meski bukan penampilan terbaiknya selama ini, dan karakternya tak sesulit peran-peran Weisz sebelumnya.

Jika Alice in Wonderland versi Tim Burton membutuhkan visual effects hebat untuk menggambarkan Wonderland secara apik, hal ini pun tak jauh berbeda dengan Oz the Great and Powerful, apalagi dalam menggambarkan dunia Oz yang penuh warna dan mengingatkan kita pada Wonderlan itu. Di sini, visual effects-nya menurut saya lumayan bagus dan sangat memanjakan mata, meskipun sayangnya pada beberapa bagian, CGI yang dipakai masih terlihat kasar. Tak mengurangi kenyamanan selama menonton memang, namun tetap saja hal ini terasa mengganjal.

Dalam menyajikan score-nya, Oz the Great and Powerful mampu menyajikan score yang bukan hanya dapat menonjolkan sisi kemegahan khas musik orkestra, namun juga dapat menampilkan sisi greatness-nya, sesuai dengan judul fiim. Terang saja, karena original score ini diracik oleh Oscar-nominee yang pernah dinominasikan sebanyak 4 kali, yaitu Danny Elfman. Semua hal yang berkaitan dengan The Wizard of Oz, menjadi suatu hal yang ikonik, termasuk dalam hal lagu. Oz the Great and Powerful pun tak mau kalah, ada lagu Almost Home yang dinyanyikan Mariah Carey, meski rasanya belum dapat mewakilkan 'great and powerful' yang digadang-gadang film ini. Lagu tersebut menurut saya terlalu ringan, apalagi jika dibandingkan lagu Over the Rainbow yang dinyanyikan sendiri oleh pemeran Dorothy Gale, Judy Garland.

Film ini memang belum mampu sehebat dan sekuat apa yang tercantum di judulnya, namun film ini memang tidaklah seburuk yang kritikus bilang. Naskahnya tidak luar biasa, namun humor yang dibawanya patut diacungi jempol, karena seluruh lawakannya berhasil membuat saya tertawa terbahak-bahak. Sam Raimi juga mampu mengemasnya menjadi tontonan yang menghibur, yang tak akan keberatan bagi saya untuk menontonnya sekali lagi. Cast-nya tergolong mampu menyokong filmnya dengan baik, meskipun James Franco tidak terlalu melekat di hati. Bagaimana film ini mengambil kembali hal-hal yang pernah muncul dalam The Wizard of Oz juga berhasil membayar kerinduan terhadap karya klasik ini. Ya, urusan teknis tak terlalu bermasalah, meski visual-nya tak terlalu sempurna, begitu juga dengan original song-nya. Memang, akhirnya Oz the Great and Powerful bukan sebuah kesatuan film yang luar biasa kuat, namun sebagai hiburan, saya berhasil dibuat luar biasa terhibur, sebagai homage pun, film ini memiliki kekuatannya sendiri.

Read More

Rizky Muzakki Saturday, May 25, 2013  No comment