[Review] Autumn Sonata (1978)

“Are the daughter's miseries the mother's triumphs?” - Eva 

In cinema filled with dysfunctional family dramas, Ingmar Bergman’s works often loom conspicuously. From Scenes from A Marriage to Cries and Whispers, his grip on this heavy subject has long been both celebrated and cerebrated. Autumn Sonata, the first and last collaboration between the two incomparable Bergmans: Ingmar and Ingrid Bergman, is one of those hefty formidable dramas. Through the estranged relationship between a daughter, Eva (Liv Ullmann), and her concert pianist mother Charlotte (Ingrid Bergman), Ingmar Bergman gazes at their stirring spectacle of disquieting, perpetuated emotional injuries. Here, there are countless feelings embedded meticulously, but all of them are tied up by one notion in common: the perplexity of emotion itself. As much as the concept of emotion can be defined in terms of universal semantics, such as anger, sadness, fear, guilt, love, etc.; the emotion, in general, is a fuzzy concept to describe, and their existence to each other can be as all-encompassing as they can be outwardly incongruous. This thesis, manifested along with a stellar cast, truthful direction, revealing dialogue, and incarcerating cinematography, bring an honest, unposed face to its distrust-rooted delineation.

Like some of his tortured family depictions, Ingmar’s aesthetics are never really reliant on being extremely adorned, but underneath those dusty sepia-tinged frames, it’s a skilfully choreographed piece of dramatic triumph. Together with cinematographer Sven Nykvist, Autumn Sonata’s camerawork moves slowly and often follows the actors’ movement then zooms in on them, only for the frame to be crammed with their faces, fully focusing on their emotions and expressions. It’s so restrained to the point that the diegetic space we’ve left with feels more and more claustrophobic with time. These close-ups perform as an unceasing microscope to capture every minute detail of their face features’ mobility: eyes twitching, forehead lines folding, downturned mouth, to their constantly vivid and unconcealed pores; we notice one thing and many things at once, as they unfold and as they fade. Quietly confrontational and in a way, obtrusively unassuming, these shots reduce their facades away, layer by layer, motif by motif, until there’s no room left to hide. 

Bergman's script is attentively constructed all over the gentle but assured emotional exposition—in the silence, everything unfurls and in the clutter of words, the truth conceals. Despite being a melodrama in spirit, Autumn Sonata is very controlled in its overarching outlook of long-repressed feelings. Between the cinematography and the dialogue, the two form an intense, often unnoticed relay race that composedly begins to unearth a giant, ambivalent force of love and hate. The dialogue establishes the two stark personas as it cuts deep into them. In its first act, Bergman uses dialogue brilliantly to show context but rarely to expose them. The essential is faint to the ears and overlooked to the eyes. During its first minutes, the dialogue between Eva and Charlotte sometimes takes detours from the actual gist of what Bergman is trying to tell, all while hinting a deeper theme underneath its surface that is still clearly evident every now and then. In the absence of the dialogue, the camerawork takes over, capturing their unspoken words that are locked away in their guarded chambers while each one tries to play by their socially acceptable roles and norms. All the love, although is never explicitly told, seems to shift back and forth between genuine and performative. It's not until later when everything gets progressively intense: the dialogue becomes more direct, the past becomes barer, and the pain becomes truer. At this point, all their silent thoughts come to light unapologetically, all at once. It's downright brutal and distressing, but only then do they feel real. The length that Bergman goes to surely takes patience, but this finely tuned rhythm is what makes the grit of their relationship even more hard-hitting. 

Aside from being an Ingmar Bergman's grand drama with groundedly detailed technicality, Autumn Sonata, more often than not, is also an acting vehicle for its two most formidable Scandinavian stars. As Eva and Charlotte, Ingrid Bergman and Liv Ullmann bring in two unparalleled deliveries that are incredibly dynamic and full-force in the midst of its family turmoil. When we're introduced to Eva, her face bursts with joy and smiles but her eyes brim with uncertain disquiet. She's as uptight as she's elated to finally see her mother Charlotte after seven years. As soon as Charlotte arrives, she hops off her car, in a sophisticated beige outfit and sprucely coiffed hair, an obvious obverse of her own daughter. As two antithetical characters, they lovingly talk to each other with such excitement, trying to reconnect again, convinced they've looked past their lineal demons, only to find that their whole life they haven't—they've simply looked the other way. 

As their conversations grow sorer, we discover the past and the revelations, maturely anchoring both slants without vilifying one another. One of their first unuttered dissonances is remarkably shown in the piano scene. With them both trying to bond over music, the scene is thoroughly serene. The only thing that can be heard is Eva's imperfect attempt at Chopin's piece, yet the camera lingers on Charlotte's face. Charlotte listens and heeds cautiously, leniently forbearing for a minute then hushedly peeved in the next, all while sustaining her discreet bit of a show. "I liked you," Charlotte politely dodges her daughter's pining for approval, torn between her motherly image and concert pianist persona. Subsequently, she proceeds to play her interpretation while dissecting the piece lengthily. Eva is visibly upset but continues to come along anyway. She softly contemplates her mother's face: engrossed, determined, and passionate. Eva droops her posture a little, for a moment her mind is elsewhere, then she comes back and dismally stumbles upon a fact: it's her first time seeing her mother's genuine, bare affection her whole life. And that's through music, not her. Bergman and Ullmann play this scene masterfully, veering to and fro between their extensive vocabulary of nuances. But this scene is just a slice of their brilliant command of acting. As more secrets get unlocked, more truthful and aching clashes burgeon. The reality continues to catch up with them until they're trapped within the irreversible state of harsh realization—that they're each other's constant reminder of failures and damages. In that state, every dialogue is retrospective, a looking glass to each passive-aggressive memory, and a cynical attempt at emotional abreaction. The weight gets bigger and louder, and so does their acting. Inside and out, it's a masterful acting marathon in which every powershifting is finely drawn from time to time.

Autumn Sonata, is just painful. It's part melodic and part ugly-sounding, but like Charlotte's perfect description of Chopin's prelude, it's meant to sound wrong. This translates well to their story: Eva longs for her mother's affection meanwhile Charlotte devotes her life entirely to music, it's a sharp observation of unreciprocated love, hidden guilt, and embellished ugliness that simply rings true. Powered by its commanding performances, Autumn Sonata sees Ingmar Bergman voyaging his account of dark family-centric underbelly through the confined, discreetly thrilling setting of stillness, chaos, and everything in between. From the dissembled propriety, abrasive reverie, up to the moments when all hell breaks loose, this small 99-minute wonder lets us absorb and drench completely in it, slowly inviting us to experience the never-ending spectrum of human misery. Agitated, embarrassed, wretched.

Read More

Rizky Muzakki Thursday, September 24, 2020  No comment

[Review] All About Eve (1950)

"Fasten your seatbelts, it's going to be a bumpy night!" ~ Margo Channing

Hollywood at its best, mungkin itulah ungkapan paling tepat bagi the golden age of Hollywood. Dari zaman film bisu hitam-putih, hingga film berwarna, semuanya tak terlupakan. Dari rentang 1920 hingga awal 1960, mungkin tahun 1950 merupakan salah satu tahun emasnya. Dari animasi Cinderella, lalu King Solomon's Mine, Born Yesterday, kemudian ada film noir The Third Man dari Carol Reed dengan Orson Welles yang tak terlupakan, hingga persaingan super sengit antara All About Eve dengan Sunset Boulevard dalam Oscar 1951. What a year!

Akhirnya, persaingan tersebut berakhir dengan kemenangan besar All About Eve, membawa pulang 6 Oscar dari 14 nominasi yang didapatkanya, nominasi terbanyak yang didapatkan sebuah film dalam sejarah Academy Awards. Film ini ditangani oleh Joseph L. Mankiewicz dalam 2 sektor sekaligus, penyutradaraan dan penulisan naskah yang diangkat dari sebuah cerpen berjudul The Wisdom of Eve karya Mary Orr. Film ini dibintangi oleh Bette Davis, Anne Baxter, George Sander, Thelma Ritter, Marilyn Monroe, dan masih banyak lagi.

Semua kisah tentang Eve ini bermula dari pertemuan seorang middle-aged broadway star banyak omong, Margo Channing (Bette Davis) dengan salah seorang fansnya asal San Fransisco yang sangat sopan, Eve Harrington (Anne Baxter), yang dipertemukan oleh sahabat Margo sendiri, Karen Richards (Celeste Holm), yang juga merupakan istri dari playwright dari play Margo, Llyod Richards (Hugh Marlowe). Semenjak bertemu, Eve memutuskan untuk mengabdi pada Margo dan akhirnya menjadi orang kepercayaannya. Namun, seiring fisiknya yang termakan usia, Margo mulai merasa paranoid bahwa Eve yang lembut, muda, dan cantik itu akan mengambil posisinya selama ini.

Awalnya, All About Eve terlihat seperti kisah seorang insecure diva belaka, namun itu hanya ada di permukaannya. Di dalamnya, All About Eve memiliki sejuta alasan mengapa film ini merupakan salah satu film terbaik yang pernah ada, dan juga sejuta alasan untuk tidak menyukai dan mencintai film ini. Naskah? Plot yang Joseph L. Mankiewicz tawarkan bukan hanya sanggup menghipnotis siapa saja, namun saya jamin tak akan dapat dilupakan bagi siapa pun yang menontonnya, bahkan dengan mudah dapat dikatakan merupakan plot terbaik yang pernah ada dalam sejarah perfilman. Namun, yang jadi pertanyaannya, apa yang membuat screenplay pemenang Oscar ini begitu hebat?

Dialog, dialog, dialog (plus monolog). Ya, Mankiewicz mampu membuat sebuah naskah dari film yang berdurasi 138 menit dengan dialog yang memorable dan tak pernah membosankan, untuk sedetik pun.  Mankiewicz tak pernah kehabisan akal dalam menciptakan dialog yang setiap kehadirannya, dialog tersebut terasa begitu cerdas, kreatif, dan witty. Siapa yang bisa melupakan Margo's "Fasten your seatbelts.."? Ini semua membuat setiap karakter di film ini, tak pernah sekalipun kehilangan auranya, selama mereka terus membuka mulut mereka. Saya selalu suka dengan monolog awal film ini, saya tak hanya berbicara tentang bagaimana bagusnya monolog tersebut, namun bagaimana cara Mankiewicz menceritakannya dengan begitu mengalir yang nantinya membawa kita ke sebuah kisah tentang dunia broadway dan borok-boroknya.

Ya, All About Eve bukan hanya tentang Eve semata. Memang benar, Eve Harrington (dan Margo Channing!) lah yang berada dalam lampu sorot, namun lingkup-lingkup dan problematika-problematika di antara mereka adalah keseluruhan panggung teater yang siap dipertontonkan. Singkatnya, All About Eve adalah sebuah drama satirikal. Dengan alibi 'dunia teater', film ini berhasil menyajikan kritikan-kritikan secara halusnya pada Hollywood yang penuh kultur glamor, lengkap dengan sifat-sifatnya yang telah mendarah daging. Sekilas, apa yang Mankiewicz coba tampilkan disini terasa berat, namun semua itu mampu di bawahkan dengan sebuah naskah yang cukup ringan dan mudah diikuti.

Soal plot, All About Eve juga juaranya. Mengetengahkan sebuah kisah tentang seorang bintang besar broadway perlahan termakan usia yang merasa tersaingi orang kepercayaannya sendiri yang jauh lebih muda, memang terdengar seperti kisah yang lurus-lurus saja. Namun, seiring berjalannya waktu, kisah ini makin melebar, hingga akhirnya, pada third act, All About Eve mulai membuka tabirnya dengan sebuah twist yang begitu unpredictable. Belum cukup, All About Eve menutup kisahnya dengan sesuatu yang tidak biasanya kita temukan dalam film sejenis. Saya sebenarnya tidak ingin memberikan anda spoiler, tapi bisa dibilang, film ini menjawab hukum karma dengan sebuah jawaban yang elegan dan tetap glamor, dan yang terpenting, jauh dari kata cliche. Wow!

Sebagai sutradara sekaligus screenwriter, Joseph L. Mankiewicz, punya kuasa penuh untuk menangani All About Eve. Dengan materi hebat yang ia tulis, dalam lapangan pun, tak ada masalah yang muncul. Ia berhasil mengarahkan para cast dengan sangat baik. Ia juga mampu mengemas twist dengan perlahan dan halus, hal yang sama juga terjadi transisi di antaranya, plus mengakhiri All About Eve dengan sebuah kemasan yang mewah. Tak hanya ending, secara keseluruhan, Mankiewicz dapat membuat All About Eve menjadi sebuah kemasan, sebuah harta karun yang bertebaran emas dan berlian.

Dilihat dari perolehan nominasi Oscar yang diraih oleh cast-nya, yaitu 5 nominasi (1 diantaranya berhasil menang), maka rasanya tak perlu lagi diragukan kekuatan lini ini. Eve Harrington yang dimainkan oleh Anne Baxter adalah pundak dari film ini. Subtle, innocent, complicated, dan kawan -kawannya adalah kata-kata yang peling tepat menggambarkan seorang Eve. Kalau saja dalam dunia ini seorang Eve benar-benar nyata, maka   ia merupakan manusia paling rumit di dunia ini (easily!). Mungkin ini adalah salah satu peran tersulit yang pernah ada. Dia adalah bintang sejati.

Bette Davis? "And she gave the performance of her life," seperti kata Mr. Addison. Jika Anne Baxter merupakan bintang, maka Bette Davis adalah mega bintang. Jika ada Davis di layar, Anne Baxter dan yang lain tampaknya harus minggir sebentar, karena sesaat lagi Davis akan mempertontonkan talentanya yang luar biasa. Sebagai Margo Channing, ia seorang scene-stealer, kharismatik, banyak omong, populer, insecure, b*tchy, paranoid, namun ajaibnya sanggup mengambil rasa simpati penonton. Di dukung oleh dialog-dialog tajamnya, Davis bagaikan bintang yang tak akan pernah mati. Tak benar bila ada yang mengatakan bahwa Bette Davis terlahir untuk memainkan Margo Channing, karena... Davis 'adalah' Margo Channing.

Hal yang sama juga ada dalam cast lainnya. Celeste Holm, sebagai Karen, adalah seorang 'jembatan' yang kokoh antara Margo dan Eve. Addison DeWitt alias George Sanders nailed his role dengan kesombongan dan kekuatan yang ia punya. Gary Merill bersama dengan Hugh Marlowe sebagai pria-pria dibalik Margo dan Karen, khususnya Merill yang berhasil menjadi Bill, yang bagaikan seorang pawang ular dalam menenangkat hati liar Margo. Di lain sisi, ada Thelma Ritter, yang meski kurang mendapat porsi yang cukup (satu-satunya kekurangan yang saya rasakan dari film ini), ia tetap memukau dengan penampilannya yang cukup komikal. Dan terakhir, walaupun hanya memerankan karakater yang perannya bahkan tak sebesar gambarnya di poster film, si cantik dan sensual Marilyn Monroe tentu tak bisa dilupakan, bukan? 

Sebuah kemasan yang luar biasa komplit. Naskahnya adalah 'kitab suci' semua naskah di dunia ini, dengan dialog-dialog menyengat yang kreatif, cerdas, dan mengundang tawa. Mengangkat satu kisah dalam lingkup dunia teater mengenai obsesi, ambisiusitas, narsisme, rivalitas, betrayal, dan insecurity yang tak dapat dijelaskan hanya dengan kata-kata, suatu miniatur bagi Hollywood yang tanpa sadar telah menyentil dan mengupas setiap inci kultur glamor penus emas tersebut dengan satir-satirnya. Selagi Anne Baxter mampu membuat judul film ini benar-benar sesuai dengan isinya, ada Bette Davis yang bersinar, meledak-ledak, dan menghipnotis siapa saja, bahkan membuat saya tak keberatan jika film ini berubah judul sesaat menjadi 'All About Margo Channing' (asal third act dengan twist film ini ditiadakan, btw, what a twist!). Segera tonton film ini, sebelum anda berubah pikiran, dan... mau saran? Fasten your seatbelts, it's going to be an exciting experience!

Read More

Rizky Muzakki Tuesday, June 25, 2013  No comment

[Review] Repulsion (1965)

"I don't like them." ~ Carol Ledoux

Entah mengapa akhir-akhir ini, saya sedang gila-gilanya menonton film horor klasik, dan Repulsion ini adalah horor klasik keempat yang saya tonton (dan ketiga yang saya buat reviewnya). Coba tebak, apa film horor pertama dari Roman Polanski? Rosemary's Baby? Paling populer, mungkin iya, namun jelas bukan yang pertama. Jawabannya adalah Repulsion, yang hadir 3 tahun sebelum Rosemary's Baby yang fenomenal. Repulsion sendiri bukan hanya menjadi film horor pertamanya, film ini juga merupakan film keduanya, yang menjadikan Repulsion sebagai salah satu tonggak terpenting dalam perjalan karir seorang Roman Polanski.  Dan di awal karirnya ini, Polanski telah menunjukkan talentanya yang luar biasa.

Roman Polanski tak hanya hadir sebagai sutradara, bersama dengan Gérard Brach dan David Stone, ia juga muncul sebagai salah seorang penulis naskah. Film ini dibintangi oleh future Oscar nominee, Catherine Deneuve, Ian Hendry, Yvonne Furneaux, John Fraser, Patrick Wymar, dan masih banyak lagi. Di zamannya, Repulsion terbilang sukses menaklukkan hati para kritikus. Film ini mendapatkan 2 penghargaan dari salah satu festival film terbesar di dunia, Berlin International Film Festival 1965, meski gagal mendapatkana penghargaan utama, Golden Bear. Film ini juga mendapatkan 1 nominasi dalam BAFTA 1966, meskipun hanya dinominasikan di kategori teknis, yaitu Best British Cinematography untuk film hitam putih. 

Carol Ledoux (Catherine Deneuve) adalah seorang manicurist asal Belgia yang tinggal di London bersama kakaknya, Helen Ledoux (Yvonne Furneaux). Setiap harinya, Carol sering melamun dan berdiam diri, bahkan dalam kerjanya. Ia juga mencoba menghindari kontak dari Colin (John Fraser), pria yang mencoba mendekatinya. Ia juga tidak menyukai pacar kakaknya yang beristri, Michael (Ian Hendry), apalagi ketika Michael menaruh sikat giginya di dalam gelas milik Carol. Sifatnya yang makin hari makin aneh ini tak hanya mengundang penasaran orang-orang terdekatnya, namun juga memengaruhi aktivitas sehari-hari Carol, seperti pekerjaannya.

Suatu hari, Helen dan Michael memutuskan untuk berlibur mengunjungi Menara Pisa di Italia, dan meninggalkan Carol seorang diri. Dalam kesendiriannya ini, perilaku aneh Carol makin menjadi-jadi. Ia mulai merasakan hal-hal aneh dalam apartemennya, seperti dinding yang tiba-tiba retak dengan sendirinya, dan berbagai hal tak masuk akal lainnya. Perlahan, sikap Carol menjadi makin tertutup, ia menjadi anti-sosial, makin sering murung, dan selama beberapa hari, ia pun tak masuk kerja. Apa yang sebenarnya terjadi padanya?

Dalam salah satu debut karirnya ini, Roman Polanski dengan (sangat) sukses membangun atmosfer yang bukan hanya creepy tapi juga dingin, sunyi, dan kosong, yang bahkan dapat dirasakan dari detik pertama nya, dimana Carol sedang berdiam diri saat sedang bekerja. Bagaimana Polanski membangun intensitasnya juga terbilang unik. Di awal film, ia tak pernah menunjukkan hal-hal yang biasanya menjadi pakem horor pada umumnya. Polanski lebih memilih cara yang tak biasa, salah satunya hanya dengan menggambarkan Carol yang murung dan desperate. Hal ini pada akhirnya memang menjadikan pengarahan dari Polanski menjadi terkesan dingin dan sulit diikuti, namun saya sangat yakin hal inilah yang memang ingin ditampilkan oleh Polanski, karena begitulah seharusnya Repulsion dibuat.

Salah satu keunikan Repulsion adalah Polanski tak pernah memberi penjelasan sedikit pun, namun malah memberikan banyak sentuhan-sentuhan imajinatif yang menakjubkan, yang mulai muncul pada pertengahan film.  Dalam bermain dengan imajinasinya, sesekali ia juga menampilkan momen mengagetkan, yang jujur saja memang sangat efektif dan berhasil membuat saya melompat sejenak dari tempat duduk. Keefektifan tersebut tak terlepas dari bagaimana cara ia membawakan Repulsion. Dengan ritme pelan dan tanpa adanya tanda apa-apa, tiba-tiba saja Polanski mengagetkan saya dengan sebuah adegan yang sama sekali tak saya kira. Seiring perjalanannya menuju klimaks, Polanski makin tajam dalam memberikan sentuhannya, yang bahkan terkadang menjurus ke arah absurd dan surreal. Semua hal ini membuat perasaan penonton mampu tenggelam dalam karakter Carol, sekaligus mengajak penonton untuk menggunakan otaknya.

Lewat sentuhan-sentuhan detail ini pulalah, Polanski mencoba memberikan berbagai petunjuk mengenai  Carol, termasuk masa lalunya yang (kemungkinan) kelam. Bagaimana ia menghindari kontak dengan Colin,  halusinasi dan delusinya, bagaimana ia begitu membenci Michael, membuang barang-barangnya, bahkan sampai jijik menyium baunya, lalu hingga foto masa kecil Carol bersama keluarganya yang memang menunjukkan ada sesuatu yang salah, yang kemudian mengantarkan penonton ke sebuah kesimpulan mengenai masa lalu kelam Carol (saya tak akan memberitahu, tentunya). Sekali lagi, hal ini sama sekali tak pernah disampaikan Polanski secara gamblang, melainkan melalui petunjuk-petunjuk cerdas yang ia berikan.

Repulsion juga hadir dengan penggambaran karakter yang amat baik. Dalam hal ini, tentu saya membicarakan cara jeniusnya menggambarkan Carol. Carol memang seorang gadis baik-baik, tentu merupakan protagonis dalam film, namun ia juga menggambarkan sisi gelapnya, seperti (spoiler!) bagaimana seorang gadis sepertinya malah berani membunuh seseorang, bukan hanya pada orang yang berbuat buruk padanya, bahkan pada yang peduli sekalipun (spoiler berakhir). Sepanjanng film, penonton tentu akan merasa simpati padanya, namun di sisi lain, penonton juga dapat kehilangan simpatinya pada karakter abu-abu ini. Dan karena faktor inilah, yang menjadi bukti mengapa Polanski membawakan karakterisasinya dengan sukses.

Bukan hanya itu, bagaimana cara Polanski mengemas Repulsion dalam dimensi abu-abu juga patut diacungi jempol. Ia sengaja tak memberikan batas jelas antara realitas dengan fantasi, (membiarkan penonton kebingungan dengan apa yang terjadi) dan membuat kedua dimensi ini menyatu dalam sebuah ruang yang saling melengkapi, lalu pada akhirnya malah membuat film ini menjadi jauh lebih superior lagi. Hal ini  justru memperkuat posisi Repulsion sebagai sebuah horor psikologis yang mengedepankan sebuah gejala schizophrenia. 

Dalam memimpin lini departemen aktingnya, Catherine Deneuve berhasil memukau. Deneuve dengan lihai mampu merasuki karakter Carol tanpa celah. Bagaimana gesture-nya, cara ia menunduk, matanya yang sayu, sampai caranya menatap dengan tatapan kosong, semua itu dilakukan Deneuve dengan hasil yang bukan hanya believable, namun juga bernyawa. Di belakang aktris yang pernah dinominasikan Oscar lewat film Indochine ini, ada beberapa nama seperti Ian Hendry, Yvonne Vorneaux, John Fraser, Patrick Wymark, serta Helen Fraser yang mampu memperkuat dan mendukung Catherine Deneuve dengan sangat baik.

Kekuatan Repulsion bukan hanya dalam bagaimana Polanski menceritakan naskah film ini menjadi sebuah tontonan penuh imajinasi dan fantasi, namun juga bagaimana departemen teknisnya berperan besar dalam kesuksesan Repulsion. Sinematografi dari Gilbert Taylor mampu menangkap setiap esensi horor yang ingin ditampilkan. Score dari Chico Hamilton terasa begitu sempurna dalam memberikan sentuhannya dalam film ini. Tak hanya memanfaatkan perkusi sebagai musik andalannya, ia juga menggunakan bebunyian yang terus menerus direpetisi, seperti bunyi lonceng dan dentingan jam, yang justru saya akui lebih efektif penggunaanya ketimbang harus repot-repot memakai orkestra nan megah.

Repulsion adalah horor yang tentu tak dapat dinikmati oleh semua orang. Atmosfer kosong, penyutradaraan Polanski yang begitu dingin, naskah cerdas yang penuh sentuhan detail yang imajinatif, batasan abu-abu dalam realitas dan fantasi, caranya bercerita lewat jalan absurd dan surreal, mungkin membuat sebagian orang beranggapan bahwa Repulsion adalah film yang tak jelas, namun sebaliknya, bagi saya inilah nilai plusnya. Film ini mampu memberikan sebuah horor psikologis dengan cara yang aneh namun tetap cerdas dan anti-mainstream. Penuh imajinasi, namun tetap hadir dengan cara yang menakutkan. Pada akhirnya, Repulsion tak hanya menawarkan sebuah kisah sexual abuse biasa. Ini adalah kisah yang thought-provoking, sesak, puzzling, dan brilliant. Sebuah karya yang bukan hanya makin mengukuhkan nama Polanski sebagai salah satu sutradara terhebat sepanjang masa, namun karyanya sendiri juga tak akan tergerus sepanjang zaman.

Read More

Rizky Muzakki Thursday, May 23, 2013  2 comments

[Review] What Ever Happened to Baby Jane? (1962)

"Oh... Blanche? You know we've got rats in the cellar?" ~ Baby Jane Hudson

Tahun 1962 tentu merupakan salah satu tahun penting bagi perfilman Hollywood. Lihat saja para nominator Oscar dalam kategori Best Picture kala itu. Ada The Music Man, The Longest Day, Mutiny on the Bounty, dan tentu saja dua film yang mungkin paling diingat, To Kill a Mockingbird serta pemenang film terbaik kala itu, Lawrence of Arabia. Tak hanya sampai nominator Best Picture saja, beberapa film diluar nominasi pun tak bisa dianggap sebelah mata. Di tahun ini pula, Stanley Kubrick merilis sebuah drama romansa Lolita, dan tentu saja film psychological thriller horror ini, What Ever Happened to Baby Jane?

'What Ever Happened to Baby Jane?' merupakan sebuah adaptasi novel berjudul sama karya Henry Farrell. Nama Robert Aldrich hadir sebagai sutradara, sementara naskah film ini ditulis oleh Lukas Heller. Filmnya sendiri menandai kolaborasi 2 aktris besar pemenang Oscar, Bette Davis dan Joan Crawford, yang kabarnya memang berseteru di dunia nyata, bahkan jauh sebelum dibuatnya film ini. Film ini membawa pulang 1 Oscar dalam kategori Best Costume Design khusus film hitam-putih, dan hampir saja menggondol piala emas kategori Best Actress untuk Bette Davis, setelah dikalahkan oleh Anne Bancroft dalam film The Miracle Worker. 

Apa yang pernah terjadi terhadap Baby Jane? Tunggu dulu, sebelum menjawab pertanya tersebut, mungkin seharusnya dibuka dengan pertanyaan seperti ini, "Siapa Baby Jane?". Di masa kecilnya, Baby Jane Hudson (Julie Allred), adalah seorang bintang cilik yang terkenal. Saking terkenalnya nama Baby Jane, bahkan pernah dirilis sebuah boneka yang hampir seukuran dirinya dengan wajah dan penampilan yang sama. Namun, ketenaran Baby Jane tak diiringi dengan sifatnya yang baik. Di sisi lain, Baby Jane juga memiliki seorang saudari, Blanche Hudson (Gina Gillespie) yang ternyata menyimpan rasa iri terhadapnya.

Ketika beranjak dewasa, Baby Jane dan Blanche tumbuh menjadi aktris. Namun, nasib telah berbalik, Blanche menjadi seorang aktris yang lebih sukses dan tenar, sementara film-film yang dibintangi Baby Jane gagal di pasaran. Hal ini tentu kembali menumbuhkan tabiat buruk Jane, puncaknya, saat ia menabrak Blanche dengan mobil, yang mengakibatkan Blanche menjadi lumpuh. Sampai hari tuanya pun, Jane (Bette Davis) yang telah menjadi alkoholik berat, ternyata masih menyimpan dendam besar terhadap Blanche (Joan Crawford), terlebih saat ia harus repot-repot mengurus saudaranya itu. Ditambah dengan kondisi kejiwaan Jane yang goyah, ia pun mulai melakukan tindakan-tindakan kasar terhadap Blanche.

Plot dalam What Ever Happened to Baby Jane? sebenarnya tak terlalu berliku. Sepanjang film, ia hanya menyorot kehidupan 2 bersaudari yang salah satunya menderita gangguan jiwa akut. Namun, kita harus berterima kasih pada Lukas Heller, yang menulis naskah hebat untuk film ini. Berbekal naskah tanpa celahnya ini, What Ever Happened to Baby Jane? pun berhasil melenggang mulus dalam setiap durasinya. Satu-satunya yang saya rasakan sebagai kelemahan dari naskah garapan Heller ini adalah naskahnya yang terasa terlalu berlama-lama dalam 2/3 bagiannya yang lebih cenderung ke psychological drama, sebelum beralih tone menjadi lebih menegangkan. Ya, meski begitu, tentu hal ini juga makin mempertajam karakterisasi, khususnya bagi karakter Baby Jane serta Blanche, dan akhirnya malah berbalik menjadi suatu kekuatan tersendiri.

Bagaimana Robert Aldrich mengarahkan film ini juga begitu luar biasa. Dibalik kisahnya yang sebenarnya tak terlalu kompleks, ia berhasil mengubahnya menjadi sebuah tontonan drama thriller yang lumayan panjang,  namun tetap dapat membuat saya duduk setia hingga akhir film, dan yang terpenting, selama 133 menit, film ini tak kehilangan its depth. Perubahan tone yang ia lakukan dari bagian drama ke porsi thriller/horror juga dilakukannya dengan sangat meyakinkan, namun tetap dengan pergerakan yang halus dan cukup perlahan. Penggambaran Aldrich guna membangun intensitas juga harus diacungi jempol. Tak ada banyak darah yang ia ekspos, namun dengan lebih memfokuskan kisahnya pada konflik dan hal-hal psikologis.

Film berjudul panjang ini juga didukung oleh cast yang hampir sempurna (kalau tak mau dibilang sempurna). Bette Davis mencuri setiap scene di mana ia muncul, apalagi didukung oleh karakternya yang sangatlah memorable. Bette Davis bukan lagi memerankan seseorang antagonis dengan mental goyah, manipulatif, pembual, obsesif, egois, diktator, dan tampak kuat (meski sebenarnya rapuh), namun ia sudah mampu menjadikan tabiat-tabiat buruk itu layaknya telah menjadi bagian dari dirinya, terlihat dari pergerakan mata, mimik wajah, gesture, gaya bicara, dan segalanya. Seandainya saja The Miracle Worker (di mana Anne Bancroft memenangkan Oscar untuk Best Actress) dirilis di tahun yang berbeda dengan film ini, maka sudah pasti Bette Davis akan memenangkan Oscar ketiganya dalam nominasi Oscar terakhirnya ini. Anyway, you nailed it, Ms. Davis!

Joan Crawford yang tampil lebih emosional juga mampu menghidupkan karakternya dengan sangat baik. Meski kerap kali Bette Davis terlihat lebih menonjol ketika mereka berdua muncul di layar, namun Joan Crawford tetap dapat mengimbanginya dengan kemampuan akting yang tak perlu diragukan lagi. Joan Crawford pun dengan sukses mampu menjalin chemistry kokoh dengan Bette Davis. Dengan karakter yang harus berada di atas kursi roda hampir sepanjang film, tentu membatasi ruang gerak Joan Crawford, karena tak bisa melakukan beberapa gesture yang mungkin akan membuatnya tampil lebih baik dan emosional, namun nyatanya, tanpa harus meninggalkan kursi rodanya. Dan apa yang terjadi saat Crawford meninggalkan kursi rodanya dan mengeluarkan seluruh kemampuannya? Even better!

Selain Davis dan Crawford, ada pula doplegänger dari Jason Segel, Victor Buono, yang memerankan Edwin Flagg, juga tak kalah bagusnya. Chemistry yang dibangunnya bersama Bette Davis juga terjalin dengan sangat erat. Porsinya sendiri memang kecil, namun kontribusi yang perannya berikan dalam film ini sangatlah besar, terutama dalam pengokohan karakter Baby Jane. Hasilnya pun memuaskan, ia berhasil membuahkan sebuah nominasi Oscar untuk Best Supporting Actor. Jangan lupakan pula Maidie Norman sebagai pembantu mereka, Elvira Stitt, serta Marjorie Bennett sebagai ibu Edwin Flagg, Dehlia Flagg. Meski sekali lagi, perannya kecil, tetapi saja mereka tetap dapat menunaikan tugasnya dnegan sangat baik.

What Ever Happened to Baby Jane? tak hanya berhasil membuat tontonan berkualitas berkat cast, pengarahan, dan naskah saja. Ia juga berhasil dalam urusan-urusan yang bagi sebagian orang mungkin tak terlalu penting, teknis. Desain kostumnya tentu tak usah dibacarakan, kemenangan Oscarnya telah berbicara banyak, walaupun kostumnya mungkin akan dianggap biasa saja kalau filmnya rilis akhir-akhir ini. Namun, hal yang paling outstanding dari film ini tentu saja dari original score karya Frank De Vol. Seperti kebanyak film klasik, film ini memang menggunakan score-score yang bukan hanya dramatis, namun juga menghentak. 

Apa yang dicapai Robert Aldrich dalam What Ever Happened to Baby Jane? tentu merupakan pencapaian yang luar biasa, film ini mampu me-raise the bar high dengan pendekatan psikologisnya yang digabungkan dengan atmosfer horor, namun tanpa adanya kemunculan makhluk halus sama sekali, serta tak menawarkan terlalu banyak darah dan hanya mengandalkan isi otak seorang manusia, namun hasilnya malah mampu membuat sebuah drama thriller horor psikologis yang sangat efektif. Dibarengi oleh naskah solid, membuat film ini selangkah lebih maju dalam keefektifannya.

Ya, secara keseluruhan memang tidak terlalu sempurna, namun pengarahan dan naskahnya saja sudah lebih dari cukup untuk membuat What Ever Happened to Baby Jane menjadi salah satu film terbaik dalam genrenya. Belum cukup? Hampir saja lupa dengan penampilan cast yang benar-benar memuaskan. Bette Davis bersinar sepanjang film, sementara Crawford, Buono, Norman, serta yang lainnya mampu mengimbangi dengan sangat baik. Karya yang solid, namun sakit. Jadi, setelah mengenal diri Jane lebih dalam, dapatkah kita menanyakan pertanyaan ini sekarang? What ever happened to Baby Jane? 

8.0/10

Read More

Rizky Muzakki Sunday, May 19, 2013  No comment

[Review] Don't Look Now (1973)

"Christine is dead. She is dead! Dead! Dead! Dead! Dead! Dead!" ~ John Baxter

Awal tahun 1960 hingga akhir 1980 mungkin merupakan tahun-tahun terbaik bagi film-film horor. Ya, sebagian besar film horor legendaris memang berasal dari dekade ini. Dari kisaran 1960, kita mengenal karya-karya Hitchcock seperti Psycho serta The Birds, ada pula The Innocents, The Haunting, atau What Ever Happened to Baby Jane, di mana Bette Davis menggila di dalamnya. Kisaran 1970, mungkin lebih banyak lagi. Selain Jaws yang legendaris, ada The Exorcist, Carrie, The Halloween, The Texas Chainsaw Massacre, hingga Alien yang sukses menggabungkan sci-fi dengan horor. Tak banyak berbeda dengan 1970, 1980 juga memiliki banyak horor legendaris, termasuk karya horor pertama dari Stanley Kubrick, The Shining. Di dekade 1980 pulalah trilogi epik Evil Dead bermula, ada pula A Nightmare on Elm Street, Poltergeist, dan The Thing.

Don't Look Now, juga termasuk di antara film-film legendaris ini. Sebenarnya, Don't Look Now tidak hanya dikenal sebagai salah satu thriller/horor terbaik yang pernah ada, karena Don't Look Now sejujurnya lebih dikenal karena satu hal, well, if you know what i mean... Back to topic, film ini sendiri didasari dari sebuah cerita pendek karya Daphne Du Maurier. Don't Look Now disutradrai oleh Nicolas Roeg, sedangkan naskahnya ditulis oleh duo Allan Scott dan Chris Bryant. Di departemen aktingnya, ada dua nama besar yang memimpin lininya, yaitu aktris pemenang Oscar 1966 (dan hampir memenangkan Oscar 2008 lalu), Julie Christie, serta pemenang 2 Golden Globe, Donald Sutherland.

Sepasang suami-istri, John (Donald Sutherland) dan Laura Baxter (Julie Christie), baru saja mengalami salah satu kejadian yang paling tak terlupakan. Anak perempuan mereka, Christine Baxter (Sharon Williams), ditemukan meninggal karena tenggelam di sebuah kolam di pekarangan rumah mereka. Tentu saja, mental mereka seketika goyah. Namun, dampak terbesar pastinya dialami sang istri, Laura Baxter. Karenanya, ia pun sampai harus meminum beberapa obat dari dokter guna mengurangi depresinya.

Untuk itu, John dan Laura akhirnya memutuskan untuk berlibur ke Venesia, Italia, agar dapat sejenak melupakan kisah kelam tersebut. Namun, bukannya tenang, kehidupan mereka malah diusik oleh dua nenek bersaudara, Heather (Hilary Mason) dan Wendy (Clelia Matania). Heather sendiri mengalami kebutaan, meskipun ia mengaku sebagai seorang psychic. Awalnya, ia mengatakan kepada Laura, bahwa Christine bahagia di alam sana. Tentu, mental goyah Laura lama-kelamaan mulai stabil kembali karena mempercayai kata-katanya. Namun, Heather juga mengatakan hal lain, bahwa ada suatu hal buruk yang akan menimpa suaminya, John. Namun, apakaha John dengan mudahnya langsung percaya perkataan nenek yang bahkan belum pernah mengenalnya?

Apa yang paling melekat dari Don't Look Now adalah naskah Allan Scott dan Chris Bryant yang cerdas dan penuh tipuan mengejutkan. Tentu, naskah ini banyak dipenuhi dengan sentuhan horor supranatural yang menjadi inti dari film ini. Namun, demi menyampaikan sentuhan pembuat bulu kuduk merinding ini, naskah Don't Look Now juga memberikan banyak sentuhan khas thriller psikologis yang menegangkan. Kedua unsur ini pun dapat menyatuh dengan baik di naskah hasil tangan Scott dan Bryant ini.

Selaku sutradara, Nicolas Roeg juga mampu mengemasnya dengan sangat tepat, yaitu lewat pengeksekusian yang bukan hanya membuat jantung berdegup kencang karena ketegangannya, namun juga atmosfer horor mengerikan yang ia buat sepanjang film. Ia juga memilih langkah tepat dalam membangun intensitas film. Nicolas Roeg lebih memilih untuk tak terburu-buru, ia membangunnya dengan perlahan-lahan lewat penggambaran mencekam dan berbagai scene yang mind-twisting, shocking, sekaligus creepy.

Seperti yang saya bilang tadi, plot Don't Look Now memang penuh dengan kejutan. Dan dalam hal itu, Nicolas Roeg dengan penyutradaraanya yang cerdas mampu mengelabui kita dengan sangat baik, padahal sebelumnya ia telah memberikan berbagai clue yang sebenarnya cukup jelas, namun ia mengaburkannya dengan berbagai trik-trik psikologis yang dengan mudahnya menipu kita. Jujur, setiap kali film ini memberikan beberapa misteri-misterinya, saya selalu saja tak dapat menebaknya dengan tepat, dan itu terjadi hingga film ini berakhir. Misteri utama yang disimpan dari awal film pun dapat dipaparkan dengan sangat baik oleh Roeg, menghasilkan twist ending yang nendang, padahal, clue terpenting misteri ini telah ia beberkan dari awal durasi.

Selain dapat membuat plot dalam Don't Look Now lebih terasa menggigit, creepy, dan thrilling, Nicolas Roeg juga mampu mengembangkan unsur drama ke dalam filmnya ini, seperti bagaimana pasangan suami-istri Baxter menghadapi kematian anak perempuannya. Kisah drama ini juga tak terasa sebagai tempelan dan pemanis belaka, karena pada akhirnya, seluruh horor dan drama ini memang saling berhubungan drama, dan karena drama inilah semuanya bermula. Porsi drama ini bukan lagi dapat dikembangkan oleh Roeg dengan baik, namun unsur ini juga dapat membaur dengan sangat padu terhadap unsur horor dan thriller-nya.

Tak hanya karena naskah dan penggarapannya yang membuat film ini berhasil dengan sangat baik. Departemen akting yang diisi Donald Sutherland dan Julie Christie di lini depan ini juga memegang peranan yang sangat penting. Tentu dari kedua nama besar mereka ini, tak ada yang bisa dicela. Julie Christie mampu memerankan karakter yang goyah dengan meyakinkan, tak jauh berbeda dengan Donald Sutherland yang memerankan suami yang tak percaya dengan takhayul. Tak jauh berbeda, pemeran dua nenek bersaudara, Clelia Matania dan khususnya pemeran Heather, Hilary Mason, juga dapat mengerjakan bagiannya dengan sangat baik.

Departemen akting yang nyaris tanpa cela ini juga didukung oleh penggambaran karakter baik dari Nicolas Roeg. Tak ada yang ia perlihatkan sebagai karakter yang benar maupun salah. Terlebih bagaimana ia menggambarkan karakter Heather dan Wendy. Sangat tidak mudah menentukan apakah kedua karakter yang bersaudara ini memang benar-benar memiliki 'kekuatan' tersebut, atau sebaliknya, itu hanyalah bualan belaka. Karakter yang dimainkan Julie Christie dan Donald Sutherland pun mendapat treatment yang sama, penonton sulit menerka manakah diantara suami-istri ini yang salah atau benar, terlebih ketika muncul lagi misteri yang kemunculannya tak saya kira.

Penyutradaraan cerdas dari Nicolas Roeg juga didukung oleh score dari Pino Donaggio yang begitu mencekam, penempatan setiap musik ini juga selalu berada di tempat yang tepat. Tak selalu mencekam dan psychedelic, kadang juga bersifat lebih dramatis. Tak hanya itu, penempatan editing yang cukup cepat juga terasa pas dalam menaikkan tensi ketegangan dan dapat disajikan dengan cukup rapi. Sinematografinya pun hadir ciamik, meski bagi beberapa orang akan sedikit terganggu dengan gaya zoom in tiba-tiba yang memang biasanya terdapat dalam film-film klasik.

Overall, Don't Look Now adalah sebuah film horor/thriller yang berhasil dalam setiap misinya. Misteri yang dibawakan sulit diterka, nuansa thriller yang disajikan sangatlah menegangkan, horor supranaturalnya juga mencekam, serta porsi drama yang dapat dieksekusi dengan baik. Tak lupa pula dengan penggambaran-penggambaran mengerikan yang sangat efektif juga dengan banyaknya kejutan di sana-sini. Ditunjang lagi oleh departemen akting dan teknis yang kokoh, menghasilkan sebuah tontonan horor yang tak hanya menakutkan dan menegangkan, tapi juga thought-provoking dan mind-twisting, sebuah sajian horor yang sangat jarang kita temukan saat ini.

Read More

Rizky Muzakki Friday, May 17, 2013  1 comment

[Part 2] 30 Greatest Twist Endings of All Time

Dalam bagian pertama, ada Murder on the Orient Express, Citizen Kane, The Others, hingga Arlington Road. Kini, random list ini masih berlanjut ke 15 film lain dengan ending paling mengejutkan. Dari suspense klasik hingga thriller modern, dari horor jadul hingga horor masa kini, dari Alfred Hitchcock hingga David Fincher, dan dari pembalasan dendam sampai pembunuh berantai, bahkan menjulur sampai rasa gengsi. Darah, kera, alkitab, ibu, sabun, penjara, hotel, kolam renang, serangan jantung. Semuanya ada di sini. So, here they are... Oh, sebelumnya, happy new year!

Planet of the Apes sesungguhnya memiliki premis yang sangat menarik. Empat orang astronot berkelana ke sebuah planet, meski akhirnya salah satu dari mereka harus meninggal dalam perjalanan. Di planet itu terdapat banyak sekali keanehan. Bukan hanya atmosfirnya yang dapat dihirup manusia, tapi juga bagaimana kehidupan di sana begitu terbalik jika dibandingkan dengan bumi. Ya, di sana ada manusia memang, tetapi manusia tidak lagi menjadi makhluk tertinggi tingkatannya, melainkan para kera lah yang menguasai planet tersebut. Anehnya lagi, kera tersebut dapat berbicara dan bernalar, sedangkan manusia? Berbicara saja tak bisa, bagaimana mau bernalar? Pada akhirnya, Planet of the Apes membawa kita ke kesimpulan mengejutkan (tips: jika ingin menontonnya, jangan sekali-kali melihat poster film ini). What a conclusion!

Oldboy mungkin adalah film asal Korea Selatan terbaik yang pernah saya tonton (atau kalau ingin lebih lebar, Asia?). Kali ini bukan soal romansa komedi, tapi soal pembalasan dendam. Merasa seorang maniak film bertema sama, tapi belum pernah menonton Oldboy? Kalau begitu, anda tidaklah semaniak itu. Saran? Segera tonton ini, karena Oldboy adalah sebuah keharusan. Plot yang diberikan benar-benar cerdas dan sama sekali tak dapat diterka, menghasilkan sebuah tamparan hebat yang menyedihkan. Ini adalah pencapaian terbaik yang pernah ada dalam film bertemakan balas dendam... and guess what? It's not Hollywood.

Sama seperti Psycho, ending film ini memang sudah seperti legenda tersendiri. Ini adalah masa ketika M. Night Shyamalan masih belum dicerca para penikmat film dunia, saat ia disangka-sangka akan menjadi salah satu sutradara terhebat dalam sejarah. Lupakan saja The Last Airbender atau The Happening, The Sixth Sense berkali-kali lipat lebih baik. Dalam film ini, Bruce Willis bukan lagi seorang yang susah mati seperti Die Hard, ia sudah bertransformasi menjadi seorang yang lebih lembut. Ada pula Haley Joel Osment yang tampil gemilang. M. Night Shyamalan berhasil mengelabui kita semua. Ia membuat hal-hal yang kita kira sebenarnya terjadi, namun sebenarnya, kenyataannya bukanlah seperti itu.

The Prestige memang merupakan salah satu film terbaik Christopher Nolan, yang seluruh filmnya, memang terbaik, tanpa terkecuali. The Prestige adalah ketika kawan menjadi lawan. Dibintangi oleh dua aktor kenamaan Hollywood, Hugh Jackman dan Christian Bale sebagai dua magician, The Prestige tampil sebagai film misteri thriller yang menakjubkan. Siapa pun rasanya tak akan bisa mengungkapkan trik sulap Bale, bahkan rivalnya sendiri, Jackman, juga tak pernah tahu trik dibalik sulapnya, sampai ketika Nolan memilih untuk mengakhiri kisahnya, mengejutkan semua orang. Bukan hanya semua orang, Hugh Jackman pun pastinya juga terkejut.

Saya menonton film ini tanpa ekspektasi apa-apa. Satu-satunya alasan saya menonton film ini hanya karena Witness for the Prosecution ini diangkat dari salah satu karya Agatha Christie. Dan alangkah terkejutnya, ketika kita mulai digiring ke akhir film, di saat Witness for the Presecution membuka lembaran-lembaran rahasia miliknya secara perlahan. Itu pun, bukan hanya satu, tapi dua! Ya, anda akan dikejutkan oleh dua lapisan twist yang sangat spektakuler. Konklusi hebat ini juga masih dihias oleh satu lagi hal yang begitu tragis. 

Psycho adalah salah satu pelopor twist ending dalam perfilman dunia. Bahkan, hingga sekarang masih banyak film yang memakai ending serupa. Saking populernya film ini (terutama endingnya), adalah sebuah keajaiban jika anda berhasil menonton Psycho tanpa bocoran atau spoiler sama sekali. Ya, thriller karya seorang Alfred Hitchcock ditambah dengan sebuah akhir yang unpredictable? Karya yang rasanya sangat sempurna. Sepanjang durasinya, Psycho terus menjalar menjadi sebuah 'pembunuh' psikologis yang amat menakjubkan. Psycho adalah satu-satunya film yang membuat siapa saja tak pernah berani membiarkan pintunya tak terkunci ketika sedang mandi. Siapa tahu...

Vertigo adalah salah satu film terbaik persembahan Alfred Hitchcock. Memang masih kalah pamor dengan Psycho, karyanya yang paling populer. Padahal, saya pribadi menganggap Vertigo sedikit lebih baik daripada Psycho, lengkap dengan ending yang tak kalah mengejutkannya. Dalam Vertigo, Alfred Hitchcock membawa kita ke sebuah 'peranakan' genre, yaitu romansa dan suspense. Hasilnya pun, benar-benar menakjubkan dan semuanya mampu mendapat porsi dan bercamur dengan sangat baik. Perpaduan ini menghasilkan salah satu plot terkompleks yang pernah ada, yang kemudian ditutup dengan one of the greatest conclusion ever.

Dalam hal perfilman tanah Eropa, Prancis memang surganya film-film juara. Dari klasik Diabolique hingga romansa zaman sekarang, Rust and Bone, semuanya memiliki kualitas juara. Di antara rentang waktu kedua film ini yang begitu panjang, Tell No One merupakan salah satunya. Film ini merupakan sebuah adaptasi novel karya Harlan Coben yang disutradarai oleh Guillaume Canet dan dibintangi  François Cluzet. Tell No One merupakan sebuah thriller yang intens dan solid, dramanya miris dan manis, dan penuh dengan misteri. Secara keseluruhan, cerita yang dituturkan Tell No One benar-benar di luar dugaan. Sama seperti judul filmnya, jangan katakan apapun kepada siapapun mengenai isi film ini, kecuali kalau anda ingin mengatakan bahwa François Cluzet mirip dengan Dustin Hoffman.

Pernah menonton Psycho dari Alfred Hitchcock? Terserah sudah pernah atau belum, tapi sekedar info saja, Diabolique lah film yang membantu inspirasi seorang Hitchcock hingga akhirnya ia berhasil dengan Psycho-nya. Diabolique juga merupakan suspense favorit dari penulis novel Psycho, Robert Bloch. Kalau boleh jujur, saya sebenarnya lebih menyukai Diabolique ketibang Psycho. Diabolique memiliki sebuah misteri yang benar-benar menggiurkan. Siapa yang tidak penasaran, membuang mayat dalam sebuah kolam renang, namun beberapa hari kemudian, mayat itu menghilang secara tiba-tiba? Kemana perginya mayat itu? Apakah mayat tersebut berubah menjadi zombie yang siap menerkam siapa saja? Ataukah ada orang lain yang mengambilnya? Berbagai macam spekulasi tentang misteri ini terus bermunculan seiring misteri yang dituturkan, tapi tak ada satupun dari spekulasi itu yang benar...

Brad Pitt dan Morgan Freeman dalam satu frame, sepasang partner detektif! Ah, hampir lupa, ada pula Kevin Sacey! Gwyneth Paltrow! Who's excited?! Ya, meski judulnya sedikit alay, tapi Se7en memiliki ensemble cast berkelas dengan sutradara kelas A, David Fincher. Se7en sendiri terinspirasi dari salah satu kisah dalam alkitab, Seven Deadly Sins, yang menjadi sebuah 'modus operandi' seorang pembunuh berantai dalam film ini. Ya, kita ditampilkan para mayat yang bertebaran dalam Se7en, dengan embel-embel sifat -sifat alami setiap manusia. Namun, ada sesuatu yang kita semua tak ketahui, termasuk Brad Pitt dan Morgan Freeman sendiri. "What's in the box?!"

Brad Pitt kembali beraksi, namun kali ini, tak ada Morgan Freeman, Kevin Spacey, ataupun Gwyneth Paltrow. Sebagai gantinya, ada Edward Norton dan Helena Bonham Carter. Setelah Brad Pitt pensiun sebagai seorang detektif, kini ia banting setir menjadi seorang sales sabun dan mengganti namanya menjadi Tyler Durden. Sedangkan Edward Norton adalah seorang pekerja kantoran tak bernama yang bosan hidup,  dan Helena Bonham Carter adalah wanita semrawut yang tak takut mati. Brad Pitt dan Edward Norton kemudian secara tak sengaja bertemu dan membentuk sebuah klub tinju bawah tanah yang super gila. Akhirnya? Bahkan jauh lebih gila lagi.

Rosemary's Baby sebenarnya mengambil tema yang kontroversial dan sangat berani. Mengambil sebuah tema satanisme atau pemujaan setan, Roman Polanski sebagai sutradara mampu menggiring kita ke sebuah horor klasik berkelas yang dipimpin oleh aktris Mia Farrow yang diceritakan baru saja menikah dan sedang mengalami kehamilan. Tapi, ada satu rahasia besar yang ia tak ketahui. Mungkin beberapa orang telah tahu bagaimana Rosemary's Baby akan mengalir, tapi ketika satu-persatu rahasianya mulai terbuka dengan perlahan, ternyata apa yang terjadi malah melebihi perkiraan. Tak salah lagi jika menobatkan Rosemary's Baby sebagai salah satu film dengan ending yang paling memorable yang pernah ada.

Inilah awal masa bersinarnya seorang Edward Norton. Lewat film yang berhasil membuahkannya sebuah nominasi Oscar ini, ia memerankan seorang anak altar yang dituduh telah menghabisi nyawa uskupnya sendiri. Ia sendiri dibantu oleh seorang pengacara ambisius yang diperankan Richard Gere. Primal Fear berhasil tampil gemilang dengan dialog-dialog cerdas dan akting memukau Ed, meski sebenarnya, pertanyaan dalam film ini cukup sederhana: "Apakah benar ia membunuh sang uskup, atau tidak? Lalu, siapa yang melakukannya?" Dan pada akhirnya, Primal Fear menjawab segala pertanyaan itu dengan sebuah fakta menghenyakkan.

Stanley Kubrick kini mencoba ranah horor, dengan mengungkapkan sebuah misteri aneh tentang sebuah hotel besar yang dibintangi aktor beralis aneh pula, Jack Nicholson. Apa yang membuat ini lebih istimewa? Stephen King! Ya, The Shining adalah sebuah adaptasi dari novel kenamaan milik Stephen King. Dengan membawa angin yang agak bernuansa puzzling dan surreal, Stanley Kubrick mampu membuktikan bahwa dirinya memanglah salah seorang sutradara hebat, bukan hanya pada masanya, tapi juga sepanjang zaman. Jack Nicholson tampil gemilang dalam menampilkan peran ayah yang penuh ambigu. Saya bukan hanya berbicara bagaimana transformasinya menjadi seorang ayah berdarah dingin, tapi juga bagaimana film ini mengungkapkan sebuah akhir yang mengundang tanda tanya besar.

Star Wars episode ke-5 yang sejatinya merupakan film Star Wars kedua setelah episode 4 (episode 1 hingga 3 difilmkan sekitar tahun 2000an karena teknologi yang ada lebih memungkinkan) ini berhasil menjadi film science fiction paling memorable dengan salah satu villain paling memorable pula sepanjang sejarah Hollywood, Darth Vader, yang terkenal dengan kostum khasnya itu. Di sini, Putri Leia, Han Solo, dan Luke Skywalker kembali beraksi ditemani R2-D2, Chewbacca, dan (lagi), salah satu robot paling memorable, si android cerewet C-3PO. Oh, jangan lupa, Star Wars episode ini juga diakhiri oleh (lagi dan lagi) salah satu ending paling memorable, juga sama sekali tak terduga, kecuali bagi yang fasih berbahasa Jerman (well, if you know what i mean).
_______________________________________________________________

Part 1

Read More

Rizky Muzakki Friday, January 04, 2013  7 comments