[Review] Autumn Sonata (1978)

“Are the daughter's miseries the mother's triumphs?” - Eva 

In cinema filled with dysfunctional family dramas, Ingmar Bergman’s works often loom conspicuously. From Scenes from A Marriage to Cries and Whispers, his grip on this heavy subject has long been both celebrated and cerebrated. Autumn Sonata, the first and last collaboration between the two incomparable Bergmans: Ingmar and Ingrid Bergman, is one of those hefty formidable dramas. Through the estranged relationship between a daughter, Eva (Liv Ullmann), and her concert pianist mother Charlotte (Ingrid Bergman), Ingmar Bergman gazes at their stirring spectacle of disquieting, perpetuated emotional injuries. Here, there are countless feelings embedded meticulously, but all of them are tied up by one notion in common: the perplexity of emotion itself. As much as the concept of emotion can be defined in terms of universal semantics, such as anger, sadness, fear, guilt, love, etc.; the emotion, in general, is a fuzzy concept to describe, and their existence to each other can be as all-encompassing as they can be outwardly incongruous. This thesis, manifested along with a stellar cast, truthful direction, revealing dialogue, and incarcerating cinematography, bring an honest, unposed face to its distrust-rooted delineation.

Like some of his tortured family depictions, Ingmar’s aesthetics are never really reliant on being extremely adorned, but underneath those dusty sepia-tinged frames, it’s a skilfully choreographed piece of dramatic triumph. Together with cinematographer Sven Nykvist, Autumn Sonata’s camerawork moves slowly and often follows the actors’ movement then zooms in on them, only for the frame to be crammed with their faces, fully focusing on their emotions and expressions. It’s so restrained to the point that the diegetic space we’ve left with feels more and more claustrophobic with time. These close-ups perform as an unceasing microscope to capture every minute detail of their face features’ mobility: eyes twitching, forehead lines folding, downturned mouth, to their constantly vivid and unconcealed pores; we notice one thing and many things at once, as they unfold and as they fade. Quietly confrontational and in a way, obtrusively unassuming, these shots reduce their facades away, layer by layer, motif by motif, until there’s no room left to hide. 

Bergman's script is attentively constructed all over the gentle but assured emotional exposition—in the silence, everything unfurls and in the clutter of words, the truth conceals. Despite being a melodrama in spirit, Autumn Sonata is very controlled in its overarching outlook of long-repressed feelings. Between the cinematography and the dialogue, the two form an intense, often unnoticed relay race that composedly begins to unearth a giant, ambivalent force of love and hate. The dialogue establishes the two stark personas as it cuts deep into them. In its first act, Bergman uses dialogue brilliantly to show context but rarely to expose them. The essential is faint to the ears and overlooked to the eyes. During its first minutes, the dialogue between Eva and Charlotte sometimes takes detours from the actual gist of what Bergman is trying to tell, all while hinting a deeper theme underneath its surface that is still clearly evident every now and then. In the absence of the dialogue, the camerawork takes over, capturing their unspoken words that are locked away in their guarded chambers while each one tries to play by their socially acceptable roles and norms. All the love, although is never explicitly told, seems to shift back and forth between genuine and performative. It's not until later when everything gets progressively intense: the dialogue becomes more direct, the past becomes barer, and the pain becomes truer. At this point, all their silent thoughts come to light unapologetically, all at once. It's downright brutal and distressing, but only then do they feel real. The length that Bergman goes to surely takes patience, but this finely tuned rhythm is what makes the grit of their relationship even more hard-hitting. 

Aside from being an Ingmar Bergman's grand drama with groundedly detailed technicality, Autumn Sonata, more often than not, is also an acting vehicle for its two most formidable Scandinavian stars. As Eva and Charlotte, Ingrid Bergman and Liv Ullmann bring in two unparalleled deliveries that are incredibly dynamic and full-force in the midst of its family turmoil. When we're introduced to Eva, her face bursts with joy and smiles but her eyes brim with uncertain disquiet. She's as uptight as she's elated to finally see her mother Charlotte after seven years. As soon as Charlotte arrives, she hops off her car, in a sophisticated beige outfit and sprucely coiffed hair, an obvious obverse of her own daughter. As two antithetical characters, they lovingly talk to each other with such excitement, trying to reconnect again, convinced they've looked past their lineal demons, only to find that their whole life they haven't—they've simply looked the other way. 

As their conversations grow sorer, we discover the past and the revelations, maturely anchoring both slants without vilifying one another. One of their first unuttered dissonances is remarkably shown in the piano scene. With them both trying to bond over music, the scene is thoroughly serene. The only thing that can be heard is Eva's imperfect attempt at Chopin's piece, yet the camera lingers on Charlotte's face. Charlotte listens and heeds cautiously, leniently forbearing for a minute then hushedly peeved in the next, all while sustaining her discreet bit of a show. "I liked you," Charlotte politely dodges her daughter's pining for approval, torn between her motherly image and concert pianist persona. Subsequently, she proceeds to play her interpretation while dissecting the piece lengthily. Eva is visibly upset but continues to come along anyway. She softly contemplates her mother's face: engrossed, determined, and passionate. Eva droops her posture a little, for a moment her mind is elsewhere, then she comes back and dismally stumbles upon a fact: it's her first time seeing her mother's genuine, bare affection her whole life. And that's through music, not her. Bergman and Ullmann play this scene masterfully, veering to and fro between their extensive vocabulary of nuances. But this scene is just a slice of their brilliant command of acting. As more secrets get unlocked, more truthful and aching clashes burgeon. The reality continues to catch up with them until they're trapped within the irreversible state of harsh realization—that they're each other's constant reminder of failures and damages. In that state, every dialogue is retrospective, a looking glass to each passive-aggressive memory, and a cynical attempt at emotional abreaction. The weight gets bigger and louder, and so does their acting. Inside and out, it's a masterful acting marathon in which every powershifting is finely drawn from time to time.

Autumn Sonata, is just painful. It's part melodic and part ugly-sounding, but like Charlotte's perfect description of Chopin's prelude, it's meant to sound wrong. This translates well to their story: Eva longs for her mother's affection meanwhile Charlotte devotes her life entirely to music, it's a sharp observation of unreciprocated love, hidden guilt, and embellished ugliness that simply rings true. Powered by its commanding performances, Autumn Sonata sees Ingmar Bergman voyaging his account of dark family-centric underbelly through the confined, discreetly thrilling setting of stillness, chaos, and everything in between. From the dissembled propriety, abrasive reverie, up to the moments when all hell breaks loose, this small 99-minute wonder lets us absorb and drench completely in it, slowly inviting us to experience the never-ending spectrum of human misery. Agitated, embarrassed, wretched.

Read More

Rizky Muzakki Thursday, September 24, 2020  No comment

2017 Revisited: 25 Movies of the Year, Part 1

The year 2017 was problematic in so many ways, but there's no denying that 2017 was also a phenomenal year for cinephiles everywhere. Paul Thomas Anderson came back, Steven Soderbergh revoked his plan to retire à la Hayao Miyazaki, a marvelous time for female filmmakers (Greta Gerwig, Dee Rees, Patty Jenkins, to Sofia Coppola), a powerful period for independent movies (which, for the most part, we have A24 to thank for), a promising mark for talented young actors (Timothée Chalamet, Saoirse Ronan, to Brooklynn Prince), and a pinnacle year for Indonesian film industry. In retrospect, I've decided to revisit 2017 once again and to see 25 movies that have caught my complete attention throughout the year—well, 20 is too tough to pick and 30 is too much work, hence a list of 25. Still, since overlooked movies are unavoidable, here are some of greatest movies of 2017 that sadly didn't make the cut.

In random order: Pengabdi Setan graces Indonesian horror framework and elevates its material with atmospheric, highly effective dread; Baby Driver proves you can achieve smartly written story along with carefully constructed action sequences in one stylish picture; War for the Planet of the Apes concludes its thought-provoking arc with a heart-stirring, rightfully merited finale for the blockbuster trilogy; The Big Sick elucidates romantic narrative when love looks past cultural contrast and strips down all differences; Logan Lucky welcomes Soderbergh in Coen Brothers' touch of slick heist movie with a lot of humor punches as well as exciting idiosyncracy; the scary good, greatly scary It frightens with on-your-face terrors and shape-shifting fear; Molly's Game unites Aaron Sorkin together with Jessica Chastain in a winning race against ticking time that spits its beat relentlessly; and Wonder Woman embodies its two-word title, 'wonder' and 'woman', with heavily built valor and humane sense of optimism. Now, without further ado, let's jump right into my top picks—the first half.

#25. Marlina the Murderer in Four Acts | Directed by Mouly Surya | Written by Rama Adi, Garin Nugroho, and Mouly Surya 

Marlina the Murderer in Four Acts aims western territory at a newfangled direction, incarnating lionhearted female liberation without losing grip on its unadorned western narrative. Scattered in a four-act structure that's prototypical and quintessential to its genre, director Mouly Surya registers self-determination and maturity in a gut-wrenching discovery where its dulcet true-being equally matched by its plain-spoken fortitude. All the same, the embodiment is truly well-translated by the mighty impetus of its heroines, particularly the eponymous character herself, possessing a commanding quality while striking a balance between inscrutable, nonchalant control and fierce demeanor. Catapulted by Marsha Timothy's unstoppable body of work, Surya yields mostly clear-cut diegesis with multi-layered emotions as vehicle for unfurling the film's female-centric heart, casting naturalistic vengeance along with underlying symbolic voyage within its spectacular visual palette. An indelible inquiry into gender roles, rape culture, and social oppression, Marlina the Murderer in Four Acts bears a formidable apotheosis with sass of confidence and a full streak of vigor, retaining one of today's most important discussions on the map with a cutthroat scenery of cinema.

#24. A Ghost Story | Written and Directed by David Lowery

A Ghost Story places brimful reliance on David Lowery, whose power inflames the unabridged film's ambition. Lowery's approach to his story is fairly unprecedented, in a figure of poetry that endures through orbit of time and yearning. It's a grueling effort to bring a story to life when the titular character barely does anything at all, but Lowery's aim stands in force with a visually telling, dismally prepossessing, and elliptically musing craftsmanship. Having a literal ghost in the eye of the storm, A Ghost Story takes the idea of helplessness into an emotional upheaval in a nowhere-near-unchallenging utterance. It's a melancholy-drenched and hope-filled cruise that appears abstruse in tranquility, but the gravity falls onto a delicately clear-cut niche: a hindsight that only walks forward, not merely a bold retrospect, but rather a deep-rooted introspect. A fully-bodied observation of loneliness and reminiscence accomplished in solicitious inclination and solitary colors, A Ghost Story is a groundbreaking arthouse answer to elegiac exploration of long-standing relics of love and loss. 

#23. The Post | Directed by Steven Spielberg | Written by Liz Hannah and Josh Singer

The Post works both as an uncomprimising exposé and a pulse-throbbing suspense, finding Steven Spielberg in his ultimate form, once again. Carrying a much simpler premise than its peers—yes, I'm talking about All President's Men and Spotlight—The Post might not be the primal choice for those looking for an in-depth history-based account which intricately sweeps every side of corridor, but it captures the essence of heroism in the right place. Within the period when the press served the governed, not the governors, The Post evinces a fight-or-flight instinct in highest contentment, running against the expected and all the odds. It's anchored by the headlining performance from Meryl Streep, in which she ascends an arc that's unbelievably soaring. As one of the vital forces fortifying the resistance, her articulate rendering utters bravery in a timid presence, arising from underestimated position where the highest stakes are at. The Post ties Steven Spielberg, Meryl Streep, and Tom Hanks together from a different point of view, shaping an empowered coup that offers a toweringly satisfying chronicle, a riveting journey with oozes coming from every edge. But at heart, The Post cherishes the true spirit of journalism that once was a defining march, jogging our memory about the strongest-willed courage that resides within.

22. Posesif | Directed by Edwin | Written by Gina S. Noer

Posesif is a cinematic offering that examines the antithesis of romance within humane sphere, challenging taboos with guts and grit. Bringing high-school drama as a vessel, Posesif penetrates its rarely-discussed subject matter into conversation with trenchant precision. It's a scrutiny of possession as well as abusive relationship that looks at humans and their all around dimensions, analyzing reactions without stepping into the unduly imprudent romaticism area. Posesif opens with an outwardly steady-paced, blossoming love story, but from there, it goes nowhere but accelerates gradually through a coaster of heart-punching turning points. It is thoroughly heightened by the screen presence of its two leads, Putri Marino and Adipati Dolken, forming a bond both authentic and toxic. Marino's turn gives an astonishing depth from her emotional endurance in the most audacious backbone, whereas Dolken builds a portrait so unwaveringly spine-chilling, unfolding every page of his sheer facets without justifying any demeanor. Often devastating, inescapably daring, and shockingly thrilling, Posesif proves that there's still a room to explore for high-school drama while shedding light on its unspoken weight of detrimental possession altogether, reminding us that the only solution to escape pernicious relationship, is in fact, by escaping.

#21. Logan | Directed by James Mangold | Written by Scott Frank, James Mangold, and Michael Green

There's a certain paradigm of a proper superhero film, and that mainly involves doing anything in big scale and all spectacle. Logan reaches what others won't do: a stripped-down self-effacing farewell story, and a heart-rending one at that. As a story about ageing, dying beloved superhero, Logan sets a big theme between immortality and mortality, a forceful picture of legacy that finds strange warmth along with cold tenderness amidst pathos and tragedy. Enhanced by the appearance of not one, but two claw-handed bad-asses, the action sequences shatter convention with non-fabricated rawness, adding attitude of pragmatism that never loses sight on its keen-edged strength. Pruning visual extravagance in exchange for bringing its candid realm into clearer focus, Logan contemplates what has always been separating these comic-book characters and normal people, and observes the inner mechanism of self-discovery in somber maturity. Elevated by possibly Hugh Jackman's most powerful work to date, Dafne Keen's searingly breakneck debut, and not to mention Patrick Stewart's gut-wrenching little performance, Logan is one last combat that takes cachet through hard-nosed road with grounded subtlety, a rightfully-earned parting that's both aching and satisfying.

#20. Detroit | Directed by Kathryn Bigelow | Written by Mark Boal

One thing that Kathryn Bigelow excels at, is her masterful fluency in patience. This is what she's been doing in her cinematic style for years, and Detroit is no exception. Bigelow spends almost 50 minutes to establish everything from scratch, creating eagerly suspense through self-restraint early intensity before suffocating itself into the middle of the havoc. Moving in conical canon with fond use of shaky handheld camera and desolating sound, Bigelow produces realism sense of cinematic journalism between its fact and fiction. It's a lengthy, sometimes off-kilter, claustrophobic means to channel racial issue that's long-forgotten and as importantly demanding as any other tragic chapter in the book of American darkest history. It faces the real-life horror with rawness besides efficiency, keeping the discourse alive with soul-crushing honesty and brutal absence of catharsis. Yes, Detroit is meant to fire your inside anger, and it does just that without struggle: you'll be provoked, your blood will reach its boiling point, your heart will pound harder than ever. It's a horror realism of one of the most upsetting history in powerful sense, devastatingly proving an alarming point in institutional racism and opression.

#19. Mudbound | Directed by Dee Rees | Written by Virgil Williams and Dee Rees

Mudbound envelops one subplot after another, bursting at the seems with stories carrying gravity on their shoulders. Capturing the relationship between two families—one black and one white—these distinguishing streams meets the tide at a precise pinpoint, a scutiny of racism and destitution that manifests itself into an all-encompassing outlook. Sure, racism is not something new to explore in films, but Mudbound, despite its seemingly typecasted period setting, does this with a contrary to what's orthodoxically done. Patience is needed here, for Mudbound doesn't propel its hook firsthand. With seamlessly leaping narratives, Dee Rees leads us through numerous stories, filled with first-rate acting, spread with little details and lyrical overtone, slowly intensifying. A high-risk move indeed, but the outcome is poignantly rewarding. In the hand of Dee Rees, Mudbound is a grounded ensemble work. Her ability to keep the flow focused as it moves in non-linear trajectory, all while mounting its engaging friction from all directions into a well-rounded slow burn, is an outstanding achievement in storytelling. Using its attentively constructed  depiction of two different families—divided by color and bound by poverty—Mudbound untangles a shattering, impactful response towards racism and its deeply damaging rooted system.

 #18. Coco | Directed by Lee Unkrich and Adrian Molina | Written by Adrian Molina and Matthew Aldrich

In a search of loved ones, Coco takes a giant leap by plunging deep into a journey about unearthing own self, expanding our perspective on the meaning of love, family, and compassion. The story combines insightful substance, emotive storytelling, and cultural appreciation in the best kind of way: a visual-driven and music-enriched foray that still brings entertainment value to its topmost level. Like any Pixar films, the narrative fluorishes through stages of simple frictions mounting bigger problems, but the resolution is never easy and the process to find it is always intricate yet organic, keeping us on the edge of our seats and investing us in its genuine overtones. Familiar moments—primarily in the big reveal—are surely inevitable, but Coco manages to look past anticipation with firmly-assembled thematic storyline, eluding a cliché-ridden story even when you can see some of its twists coming. What's more surprising however, Coco, with an all-embracing plot, triumphantly overcomes this without diminishing any rewarding emotion—trust me, you'll still weep anyway. Definitely another win for Pixar, Coco creates a sublime borderline where the living crosses  paths with the dead and the colors meet the tunes, offering a poignant, deeply affecting story with love and its bonds as its core.

#17. Paddington 2 | Directed by Paul King | Written by Paul King and Simon Farnaby

In a year crowded with solemn movies about more solemn world problems, we deserved a little fun getaway, and Paddington 2 came just at the right time, right moment—with a subtle tackle on its hefty theme. Paddington 2 acts as an epitome of the picture-perfect family adventure: it has charm, wit, grit, and it has more. A journey about a refugee—except this time, it's a bear—Paddington 2 explores everything that makes us love its predecessor, expanding its horizon every step of the way with whimsical joy, authentic laughs, also wholehearted emotions in addition to its grativying adventure. In doing so, Paul King together with Simon Farnaby neatly magnifies their characters with elements of innocence and intelligence, adding more organic profundity to them while also evoking tenderness and fulfillment collectively. These detailed characters, not only are they crucial to each one of them, but also to the entire narrative, as they offer genuine, unstrained touch to untangle plot knots and solidify its overarching concern of acceptance. Paddington 2 creates a world that feels old-fashioned yet sets an expressive singularity so distinct with high production value and attention to detail, emerging a magically enchanting tale with a fresh whisper of Wes Anderson's antics and a radiant spirit of Frank Chapra's gleams. A treat for the eyes as well as the heart of many, this high-spirited splendor is as sweet as a jar of marmalade and as genuine as Paddington himself, delivering a series of heartfelt and incredibly sparkling adventures for all ages to enjoy.

#16. Phantom Thread | Written and Directed by Paul Thomas Anderson

Steered by the magnetic bond from its two leads, not only do Daniel Day Lewis and Vicky Krieps command the stage, they demand the spotlight in this Paul Thomas Anderson's mark for resurgence. In his leave-taking role, Daniel Day Lewis is once again in his finest frame, now as Reynolds, a powerful, perplexing dressmaker with iron-willed artistic eye that makes him a mazelike lunacy as he's a constant uniformity. From viewers' standpoint, there stands his muse-turned-lover Vicky Krieps' Alma, trying to decipher Reynolds and the austereness he lives in, only to find her place between moonstruck love and driven desperation. More of a two-persona show than an ensemble piece, this romance endures through agony, endearment, also changes; thus turning their sparks into a cyclic turmoil of existentialism invoked by amorous manipulation and toxic obsession. Paul Thomas Anderson’s approach is slow-footed but assured, creating an efficacious power built upon observing the dynamics of tug of war between two kinds of madness striving to win over each other. Anderson explores the beauty, the ugly, and the in-betweens of puzzling temptation through their radiating chemistry, and much like his other works, Phantom Thread doesn't seek forthright realism, but rather the fantasticated fabric of our own reality, propelling a far-out take on all-consuming passion with inescapable drift of belonging that exposes a venomous, arresting romantic force that’s both distant and irresistible.

#15. God's Own Country | Written and Directed by Francis Lee

God's Own Country's each second is commanded by nuanced silence, demonstrating a blooming love in fewer words and bursting affection through storming liaison of filmmaking. Francis Lee's direction empowers God's Own Country to walk a scrupulous pace, impassioned when it soars and enigmatic when it hushes. Set in a rural area and told from a solitary stance, the rush of adoring authenticity ensues from Lee's keen eye for attention to progressive intimacy with the help of unpoised camerawork as well as genuine acting, achieving an inviting yet demanding romance to look at. Lucid use of extreme close-up and less-methodical angle maximizes mezmerizing performances from Josh O'Connor along with Alec Secareanu, focusing on silent gestures and shades of affection to reveal a pinnacle of graphic storytelling. But, as far as it conveys intense, growing feelings between two human beings, it also shows more about empirical inner thriving, how one self could relieve self-restraint to completely own their loving awakening. Filled with vivid heat on top of subdued desolation, God's Own Country unwinds an eloquent mud-mantled chemistry in a still piece of pure cinema that lets its visual language speak for itself.

#14. Get Out | Written and Directed by Jordan Peele

Get Out begins with a bang, encapsuling the horror, deep down dread to an excruciating three-minute opening of intense discomfort which feels like going on forever yet keeps us getting involved. It is at that point when you go, "I'm in!"—and doesn't Jordan Peele deliver. But it's only the tip of an iceberg. As the truth eventually exposes itself, Get Out continues to frighten with never-ending panic, building upon its race issue cornerstone and allowing nerve-wrecking fear to get its way under your skin. It's a deliciously screeching terror-filled chamber urging viewers to chant "get out!", all while deludingly steering us to get in. But, from that right-through-you sudden sprint to the paralyzing angst of sunken place, Get Out makes us realize that the true horror lies in neither its ability to shock nor terrorize you: it is in the boundless truth. It's in the capacity to upset, the disturbing reality it possesses, and the significance it brings forward about modern day racism. Ultimately, Get Out is indeed eerily haunting. Whether you want to apply that definition to the urge it has for blood, sense of humor, its own way to grasp reality, or the unapologetically outspoken nature; there is no wrong answer. An occasionally funny, blunt satire without forgetting its horror complexion, Get Out manages to achive many in a single effort.

#13. The Killing of A Sacred Deer | Directed by Yorgos Lanthimos | Written by Yorgos Lanthimos and Efthmis Filippou

There's always a way to preface a film and invite audience in altogether, and The Killing of a Sacred Deer does this with inquisitiveness and sharp simplicity. With grandiose classical tune humming over a close-up of beating heart, it's a shot that's brilliantly sedating, enough to tell us that we're in for an intriguingly strange excursion. Loosely based on a Greek mythology, Yorgos Lanthimos translates its fabled premise into his own language of perplexing ethics, schismatic sacrifice, and back-breaking choices. Here, Lanthimos' wildest intuitiveness sets foot in a modern world that rings a bell to our own, posing impossible questions about unrestrained causality which seeks for the vulnerability in human's guilt. The dialogue is long and intentionally descriptive, sometimes even too detailed that these lines don't particularly have to be in parallel with the context of storytelling. The key, however, rests in Lanthimos' discreet direction and his cast's ice-cold firmness, forging an uncanniness that draws us in enticingly. In devilishly measured motion, the camera work keeps viewers off-balance yet aware of incoming viciousness, turning itself into its own 'living' character as it glides and always follows at an angle either too low or too high. A pure ingenuity of foreign darkness, The Killing of A Sacred Deer is a pitch-black folklore fathomed in provocative rhythm, intentionally stilted diction, harrowing tune, and outlandish charm. Really, there's no stranger thing than this.

_____________________________________________________________________________________________

PART 2

Read More

Rizky Muzakki Saturday, February 24, 2018  2 comments

[Part 1] 2014: 25 Best Movies

Now that Oscar fever has gone, it's our time to reveal our very best films of 2014! Mulai dari chapter penentuan dari saga The Hobbit hingga chapter pertama bagi The Hunger Games: Mockingjay, mulai dari film animasi sekaligus ajang promosi lego sukses dalam The Lego Movie hingga kisah menguras air mata dari tokoh kesayangan semua orang dalam Stand by Me Doraemon. Dari pertarungan mutan vs. manusia dalam X-Men Days of Future Past, hingga perebutan spesies superior kera vs. manusia di Dawn of the Plante of the Apes. Dan dari film tentang aktor usang yang ingin mengklaim kembali kejayaannya dalam Birdman hingga Boyhood, sebuah hasil kerja keras selama 12 tahun. Ya, 2014 was such a good year, dan jelas merangkum dan memilih yang terbaik dari yang terbaik bukan pekerjaan mudah. Karenanya, well, saya memutuskan untuk tidak sepenuhnya memilih 25 film. Karena membuat list semacam ini butuh banyak 'pengorbanan', sebelum masuk ke inti utama, inilah honorable mentions saya, 5 film terbaik 2014 yang 'terlalu sayang untuk dibuang'.

The Hobbit memang bukanlah The Lord of the Rings, namun The Battle of Five Armies adalah chapter akhir dengan 144 menit penuh dengan keseruan non-stop plus final yang menguras emosi. Sementara itu, The Lego Movie bukan hanya bekerja dengan baik sebagai ajang promosi, tapi sebagai satu paket yang kocak, menghibur, dan emosional. Ada pula babak kedua The Raid, The Raid 2, kali ini dengan scope yang lebih luas, karakter lebih banyak, kekerasan yang lebih membuat siapapun bergidik, dan keseruan yang tanpa henti. Tak ada satupun yang rasanya dapat menyangkal bahwa sampai kapanpun, Doraemon is everybody's childhood, dan kehadiran Stand by Me Doraemon mempertegas hal itu. Dan, siapa yang tidak menyukasi sebuah premis kreatif yang gila dengan kadar silliness tinggi? With just right direction, Snowpiercer berhasil mengangkat premis gilanya ke dalam kemasan dystopian bertensi tinggi, dengan kegilaan yang tinggi pula, tentunya.

#25. Maps to the Stars | Directed by David Cronenberg | Written by Bruce Wagner

Mocking the cruel industry with class, that's exactly how i can describe Maps to the Stars perfectly. Ya, setelah Cosmopolis yang... hm, aneh, David Cronenberg kembali dengan Maps to the Stars. Sebuah karya yang memperolok Hollywood dengan mengangkat isu-isu itu sendiri ke permukaan, dan itu adalah langkah yang sukses. Kemasannya dark, twisted, dan disturbing, Cronenberg membawa kita ke sebuah kisah mengenai pundi-pundi dolar, popularitas, dan rasa dengki, kegilaan yang luar biasa. Dilingkupi oleh karakter-karakter yang mungkin merupakan sekumpulan orang-orang terburuk di planet bumi, Maps to the Stars is haunting yet disturbing, sebuah penggambaran kejam mengenai sebuah industri yang tak kalah kejamnya.

#24. Coherence | Directed and Written by James Ward Byrkit

Siapa bilang untuk membuat sebuah science-fiction berkualitas dibutuhkan biaya besar dan visual maha megah? Jika anda masih berpendapat demikian, pikirkan lagi. Ya, adalah James Ward Byrkit, lewat karya debutnya Coherence mampu mematahkan stigma itu. Dibalik budget minimumnya, Coherence adalah sci-fi ambisius, menawarkan kisah kompleks yang melibatkan berbagai anomali yang membutuhkan banyak pemikiran dalam mencerna tiap kisahnya. Mostly improvised, Coherence berhasil menyajikan sebuah pengalaman sinematik yang tak terlupakan, dengan konflik yang tiap menitnya makin melebar, ia menebar tanda tanya besar di setiap perisitiwa. Hasilnya, adalah sebuah anomali yang menarik dan penuh intrik, menghasilkan percabangan kisah yang penuh dengan segala kemungkinan, berlapis-lapis kejutan, dan berbagai potongan misteri yang begitu menarik. Bravo!

#23. Predestination | Directed and Written by Michael Spierig & Peter Spierig

Bagi sci-fi geek yang mengharapkan untuk dihibur semaksimal mungkin, maka Predestination tepat bagi anda. Narasinya non-linear, bergerak maju-mundur, memberikan anda sedikit demi sedikit petunjuk untuk dapat memahami misteri kisahnya. Memanfaatkan perjalanan waktu yang telah menjadi lumrah di ranah sci-fi, Predestination menawarkan lebih dari sebatas perjalanan lintas waktu. Ia memiliki lapisan kejutan yang mampu membuat time-traveling ini lebih memukau. Di inti kisah, ada Sarah Snook yang istimewa. Paruh awalnya, kita akan dikenalkan dengan karakter Snook, di mana kita akan diajak menyelami masa lalunya yang kelam dengan penampilan luar biasanya. Kemudian, di paruh sisanya, Predestination memberikan penonton berbagai kejutan, twists and turns yang mampu membalikkan kisah secara drastis, membuka lembar-lembar rahasianya, lengkap dengan intensitas tinggi yang mampu menjaga anda agar tetap setia duduk menikmatinya. Super fun!

#22. The Theory of Everything | Directed by James Marsh | Written by Anthony McCarten

Hapus kisah biopik dan segala teori fisikanya, maka The Theory of Everything adalah romansa layaknya romansa lainnya. Tapi, dengan chemistry kokoh dari dua lead-nya yang sama-sama bermain apik, kehidupan seorang Stephen Hawking, teori-teorinya, maka The Theory of Everything akan menjadi lebih dari itu. Eddie Redmayne is exceptional, arguably the best male performance of the year, ia tak hanya bergulat dengan emosi, namun juga harus menyuguhkan akting secara physical, and suceeded in both, membentuk chemistry luar biasa dengan Felecity Jones yang juga berada pada peak performance-nya. Sebuah romansa bittersweet dan sebuah biopik emosional merupakan kombinasi yang bekerja baik pada segala sisi, dan The Theory of Everything adalah contoh yang sempurna.

#21. X-Men: Days of Future Past | Directed by Bryan SInger | Written by Simon Kinberg

Lewat X-Men: Days of Future Past, X-Men kembali membuktikan eksistensinya di tengah serbuan para karakter Marvel Comics lain seperti Avengers, Guardians of the Galaxy, hingga si individualis Spider-Man. Tajam, namun menyenangkan. Garang, namun emosional. Ini jelas bukan lah kualitas Bryan Singer yang kita temukan pada Superman Returns apalagi Jack the Giant Slayer, ini adalah Bryan Singer baru yang pernah kita lihat di karya-karya terdahulunya. Didampingi departemen teknikal kelas wahid dan labelnya yang serba lebih; lebih besar hingga lebih kacau (in a good way), X-Men kali ini bukan hanya sebuah pengeruk dollar di tengah musim panas, di saat yang sama ia juga menawarkan keseruan tak terbatas dalam drama mutannya yang kompleks dan penuh pemikiran serta emosi, pacing cepat dan tepat dari Bryan Singer, sampai mega-cast bertabur bintang. Epic!

#20. Wild | Directed by Jean-Marc Vallée | Written by Nick Hornby

Dituturkan dalam perspektif seorang wanita, Wild memang memukau dari segala sisi. (Lagi-lagi) sebuah biopik, namun kali ini, ini bukan hanya sekedar menelusuri kehidupan tokoh nyata, namun lebih dari itu, Wild adalah kisah pencarian jati diri, coming of age yang bukan hanya melibatkan perjalanan fisik yang melelahkan, namun juga perjalanan emosional yang begitu kaya. Kemasannya mungkin akan mengingatkan kita pada The Iron Lady, dengan penuturan biopik secara non-linear, namun kali ini dengan pengemasan yang jauh lebih matang dan efektif. Wild memang bukan film yang nyaman untuk dipandang, ia eksplisit dan penuh penggambaran yang menyakitkan, namun dibaliknya, Wild adalah karya emosional, jujur, dan tak pernah gagal dalam menyampaikan visinya.

#19. Guardians of the Galaxy | Directed by James Gunn | Written by James Gunn and Nicole Perlman

Di samping sisi teknikal yang rumit, Guardians of the Galaxy juga bukanlah tipikal kisah superhero biasa, menjadikan narasinya bukanlah suatu hal yang dapat diremehkan begitu saja. Ia emosional di menit pertama, dan akan dengan mudah membuat anda tertawa berkat kekonyolannya di menit selanjutnya. Berawal dari tokoh anti-hero yang eksentrik hingga penggunaan musik yang begitu krusial, Guardians of the Galaxy meraih tawa serta 'hatinya'. Secara tak langsung James Gunn berhasil dalam menggebrak dinding film superhero, menghancurkan stereotype yang kini telah lama melekat pada film serupa, menjadikan Guardians of the Galaxy sebagai angin segar di tengah terjangan karakter pahlawan yang terlalu serius, salah satu film paling mengagumkan tahun ini. Dengan aksi memukau, lengkap dengan jajaran efek visual yang tak perlu diragukan lagi, Guardians of the Galaxy bukan hanya sebuah kisah superhero berbalut budget besar, ia juga sebuah kisah emosional sekaligus penuh tawa yang berbalut hati yang besar. 

#18. Foxcatcher | Directed by Bennett Miller | Written by E. Max Frye and Dan Futterman

Apa yang paling mencolok dari Foxcatcher? Saya rasa, mungkin semua akan setuju bahwa jawabannya adalah hidung prostetik Steve Carell yang selalu dibicarakan itu. Tapi, sebenarnya tidak juga. Jangan lupakan bahwa dibaliknya, ada penampilan terbaik Steve Carell sampai saat ini, menjadi tokoh nyata, bilyuner John du Pont yang bergaya eksentrik. Diambil dari kisah nyata, Foxcatcher diisi oleh drama yang memikat, sebuah biopik lambat, yang berakhir dengan emosional, diisi bukan hanya satu penampilan mumpuni saja dari Steve Carell, tapi sebuah career defining performance dari Channing Tatum serta the oscar nominated work dari Mark Ruffallo, oh, dan tak ketinggalan penampilan kecil namun memukau dari Vanessa Redgrave. Dari awal hingga ia berakhir, Foxcatcher sukses dalam menghidupkan kembali melankoli yang tak bisa dipercaya benar-benar terjadi. Haunting, gloomy, terribly sad, and devastating, Foxcatcher will definitely leave you speechless, or probably, even breathless.

#17. The Imitation Game | Directed by Morten Tyldum | Written by Graham Moore

Di atas kertas, kisahnya sendiri sudah sangat menarik. Bagaimana jika diangkat menjadi sebuah film? Maka hasilnya adalah The Imitation Game. Ia mampu memanfaatkan star benefit dari Benedict Cumberbatch dengan sebaik mungkin, sementara Graham Moore selaku penulis berhasil menghasilkan sebuah naskah yang begitu baik, menyajikan biopik yang mampu mengajak penonton menyelami otak seorang jenius dengan segala upayanya dalam memenangkan peperangan lewat otak dan bukan otot, selagi ia berusaha melawan tekanan batin dari orientasi seksualnya yang berbeda dengan kebanyakan. The Imitation game bukan hanya berbicara tentang kisah pribadi bapak komputer modern, ia membawa penonton dalam kisah heroisme yang jauh berbeda dari apa yang selama ini kita kenal, Tentang bagaimana sekelompok orang mampu melumpukan atau bahkan membawa kemenangan besar pada satu negara, ya, dan sangat mungkin untuk mengukir sebuah sejarah besar dan penting bagi dunia. Menegangkan, menarik, emosional, serta diisi oleh akting kelas satu, skrip yang solid, hingga pengarahan yang kokoh. The Imitation Game adalah karya yang impresif, 'haram' untuk terlewatkan.

#16. Calvary | Directed and Written by John Michael McDonagh

Dari menit pertamanya, Calvary dibukan oleh sebuah peristiwa unexpected, menyajikan satu dari berbagai kisahnya yang berani. Banyak kisah yang ia sampaikan, yang masing-masing mengisahkan isu sosial yang berbeda. Sebuah komentar sosial yang halus namun tak malu-malu mengutarakan tiap isu, Selama itu pula, Calvary mampu memberikan sebuah dunia yang tak biasa, mengeksplorasinya lewat sebuah misteri yang mempesona, memberikan penonton sebuah suplemen otak dengan kecerdasannya mengambil banyak hal ke permukaan dan keberaniannya menertawakan isu-isu moral. Uniknya, ia bukan tipe yang terlampau berat. Banyak humor gelap di dalamnya, tak hanya sukses memberikan tawa kecil namun juga memberikan hal untuk dipikirkan setelahnya. Sebuah drama yang pilu dan menyentuh, penuh humor hitam, hingga komentar sosial yang tajam. Provokatif dan cerdas.

#15. Inherent Vice | Directed and Written by Paul Thomas Anderson

Datang dari the mastermind of Paul Thomas Anderson, adaptasi novel karya Thomas Pynchon, menghasilkan suatu kombinasi yang mengagumkan. Sebuah psychedelic noir yang eksentrik dari segala perspektif. Aneh, benar-benar aneh, dan tak mudah untuk dicerna, Inherent Vice menghadirkan sebuah komedi hitam dalam kisah kriminal yang intelijen, yang uniknya hadir dengan pengemasan yang tak terlampau serius. Sekalipun bukanlah karya yang bisa dinikmati setiap orang, namun Inherent Vice jelas menjadi salah satu yang terbaik tahun ini, meski bukanlah yang terbaik dari sang sutradara. Stylish, creative, and hypnotic with a mesmerizing mystery and a few chuckles here and there, Inherent Vice is no There Will Be Blood, but it's still a fresh take from the mastermind.

#14. Force Majeure | Directed and Written by Ruben Östlund

Datang dari negeri Skandinavia, Swedia, Force Majeure adalah satu dari sekian banyak drama berkelas yang sederhana namun begitu istimewa dari tanah Eropa. Selama 120 menit, Force Majeure menyajikan drama tentang bagaimana sebuah perisitiwa mampu mempengaruhi kehidupan manusia. Bukan hanya kehidupan seseorang, namun mampu merambat ke kehidupan orang-orang terdekatnya. Force Majeure bertumpu pada interaksi tiap orang, dan bagaimana mereka bergulat dengan masalah yang kian lama melebar. Relatif sulit untuk ditonton, namun kisahnya yang humanis dan dapat terjadi pada kapan, dimana, dan siapa saja mampu membuat Force Majeure dapat akrab dengan siapa pun. Dengan kemasan sederhana, Force Majeure berhasil menuturkan salah satu kisah paling affecting tahun ini, ia unik berkat kisahnya yang tak berfokus pada tragedi tertentu, melainkan menyorot bagaimana hubungan antar karakternya mampu goyah karenanya. Sesuai judulnya, Force Majeure nyatanya bukan hanya menuturkan kisah yang terjadi di luar kendala manusia, namun lebih dari itu, ia mengisahkan bagaimana mereka kembali untuk menata segala hal yang telah kacau balau, kembali mengendalikannya.

#13. Dawn of the Planet of the Apes | Directed by Matt Reeves | Written by Mark Bomback, Rick Jaffa, and Amanda Silver

Diawali degan Rise of the Planet of the Apes yang membuat penonton terkejut akan kualitasnya, kini ada sekuelnya, Dawn of the Planet of the Apes, yang hadir dengan kualitas yang bahkan jauh melebihi pencapaian Rise of the Planet of the Apes. Sebuah blockbuster cerdas, hadir bukan hanya dengan efek visual yang membelalakkan mata, namun dengan kisah yang emosional, sebuah pertempuran dan perebutan spesies superior yang menegangkan sekaligus cerdas. Ia menolak bermain di area aman, sebaliknya lebih memilih untuk mengawinkan unsur-unsur seimbang antara kulit dengan isi, melebur kisah intelek dengan visual megah, membawa isu kemanusiaan yang terbungkus dalam sebuah revolusi di tengah evolusi.

_____________________________________________________________________________________________________

PART 2

Read More

Rizky Muzakki Saturday, February 28, 2015  5 comments

[Review] The Act of Killing (2013)

"Have I sinned? I did this to many people. Is it all coming back to me?" ~ Anwar Congo

Apa yang anda rasakan ketika mendengar kata 'PKI'? Atau 'komunis'? Ngeri, takut? Well, terlepas dari apa yang anda rasakan, yang jelas kedua kata ini telah mengukir banyak goresan sejarah bagi Indonesia. Sampai-sampai, pemerintah pernah membuat sebuah film propaganda melenceng dari sejarah berjudul Pengkhianatan G 30 S/PKI yang bahkan, dulu selalu diputar setiap tanggal 30 September di stasiun televisi Indonesia. Kali ini, tampaknya film tersebut mendapatkan tandingannya. Memang, cakupannya tak sebesar apa yang kita lihat dalam Pengkhianatan G 30 S/PKI, namun yang pasti film ini tetap hadir dengan segala kontroversinya.

Dengan mengambil judul The Act of Killing, film karya sutradara Denmark, Joshua Oppenheimer, ini lebih memilih menyampaikan kisah kelam ini lewat sebuah dokumenter, mengikuti kisah para mantan pembunuh yang turut berpartisipasi dalam penumpasan jejak-jejak komunis di Indonesia. Joshua memperkenalkan penonton pada Anwar Congo, salah satu pendiri organisasi paramiliter sayap kanan Pemuda Pancasila yang dulunya juga merupakan salah satu dari pasukan pembunuh komunis. Anwar tak sendiri, Joshua juga 'mengupas' kawan Anwar lainnya, seperti Adi Zulkadry, Herman, hingga ketua Pemuda Pancasila sendiri.

The Act of Killing menyusuri masa lalu kelam seorang Anwar Congo, mantan preman pencatut karcis bioskop yang akhirnya menjadi pasukan pembunuh, setelah PKI dibubarkan pada tahun 1965. Tugasnya, tentu saja membantu para tentara dalam memberantas akar-akar komunis. Tak hanya menumpas orang-orang yang 'diyakini' sebagai pengikut komunis, pasukan ini pun kerap membunuh etnis-etnis Tionghoa. Saking brutalnya, kekejaman Anwar Congo dan kawan-kawannya sampai-sampai telah menyebar seantero Kota Medan, Sumatera Utara. 

Tak hanya menyorot kehidupan Anwar Congo sekarang ini, seperti kiprahanya sebagai salah satu orang yang dihormati dalam organisasi Pemuda Pancasila, yang berakar dari posisinya sebagai pasukan pembunuh. Dalam dokumenter ini, Joshua juga membawa kita tabir-tabir hitam Anwar Congo serta Adi Zulkadry mengenai cara brutal mereka menumpas para komunis. Dengan bantuan kawan lainnya, Anwar merekonstruksikan cara 'sinting' mereka dalam membunuh komunis dengan medium-medium yang unik dan berbeda. Tapi, dari semua itu adakah yang lebih mengagetkan? Mereka menceritakannya dengan penuh kebanggaan.

Jika anda membayangkan rekonstruksi adegan-adegan pembunuhan, maka mungkin apa yang anda pikirkan adalah berliter-liter darah dan potongan tubuh manusia yang dibalut dalam kebrutalan serta keganasan. Itu tak salah, namun sebaliknya, film ini tak memilih menampilkannya dengan cara itu. Justru, The Act of Killing memanfaatkan senjata yang lebih pamungkas daripada itu semua, yaitu dengan menyerang langsung ke mental dan pikiran penonton. Bayangkan, dengan penuh kebanggaan, mereka menceritakan dan memperagakan bagaimana cara mereka menumpas komunis. Caranya memang tak benar-benar eksplisit, seperti mengganti sesosok manusia dengan tumpukan karung yang diinjak lehernya dengan ujung kaki meja dengan para preman bersenandung ria di atasnya, namun hal inilah yang malah membuat penonton meringis: membayangkan dengan pikiran sendiri bahwa yang ada disitu adalah manusia yang sebenarnya.

Hanya di The Act of Killing lah, adegan-adegan cheesy nan corny berubah menjadi sesuatu yang lebih artsy. Ya, jika anda adalah seorang yang merasa jijik dengan hal-hal corny dalam film kebanyakan, maka percayalah, rasa ini tak akan anda temukan dalam The Act of Killing. Ini wajar, karena sesuai dengan permintaan Anwar dan kawan-kawannya, film ini merekonstruksikan kekejaman pemberantas komunis lewat potongan-potongan film yang mereka bintangi sendiri, terinspirasi dari film-film yang mereka gemari saat mereka masih menjadi preman bioskop. Dengan menggabungkan dokumenter juga adegan-adegan film dramatis ala filmnoir, western, dan beragam genre lain ini, malah membuat film ini berhasil membuka tabir-tabir itu dengan cara yang jauh lebih menarik, dan bukan hanya menjadikan The Act of Killing menjadi dokumenter yang memiliki esensi surreal saja, namun memberikan kesan powerful yang tak terlupakan bagi penonton.

Yang membuat film ini menjadi sebuah dokumenter tak terlupakan adalah karakter. The Act of Killing diisi oleh karakter-karakter penuh kharisma, karakter yang mungkin bisa dibilang karakter-karakter immoral dan 'sakit', dan yang lebih mencengangkan adalah: mereka nyata dan benar-benar ada. Dengan kharisma mereka, kadang kita dapat dibuat tertawa, meringis tak percaya, hingga membelalakkan mata sebesar-besarnya. Dan dari segalanya, The Act of Killing diisi oleh 2 sosok yang mungkin adalah sosok paling absurd yang pernah ada.

Herman, preman berperawakan buntal, dengan mulut vulgar dan senang bercanda ria,  sekaligus sosok yang brutal. Ironisnya, di sepanjang film, ia sering berpakaian wanita dengan dandanan ala ladyboy Thailand. Tapi, bagaimana film ini menampilkan sosok seperti Herman yang menyalonkan diri ke legislatif, rasanya seperti tamparan satir yang cukup keras (thank God, he didn't make it). Tapi, spotlight ada di tangan seorang Anwar Congo. Bayangkan, seorang family-oriented man, yang bahkan memarahi cucunya sendiri karena menyakiti seekor itik, sampai-sampai menyuruh cucunya untuk meminta maaf pada si ternak, namun di sisi lain, ia adalah sosok brutal, tak bermoral, dan bahkan sanggup meregangkan ribuan nyawa lewat tangannya sendiri. Sosok seperti ini membuatnya menjadi bak seorang Vito Corleone, yang menariknya, ada dalam dunia nyata. Undoubtedly 2 absurd (and interesting) characters!

Entah apa yang mereka katakan memang benar-benar terjadi atau tidak, namun The Act of Killing berhasil menjadi sebuah cara baru bagaimana seharusnya dokumenter hebat itu dibuat. Medium rekonstruksinya sangat unik dan berbeda. Tak ada darah, scene-scene gory, namun lebih mengedepankan mental penonton yang terganggu lewat cara-cara anehnya. Film ini juga menyelipkan unsur-unsur surreal dari filmnoir, western, fantasi, dan lainnya, berhasil menjadikan The Act of Killing menjadi sebuah dokumenter yang imaginatif, tidak biasa, dan out-of-the-box.

The Act of Killing bukan hanya sebuah tontonan penuh jaw-dropping moments yang membelalakkan mata, provokatif, dan kontroversial, juga pretty difficult to watch. Di sisi lain, Joshua Oppenheimer berhasil pula menjadikan The Act of Killing menjadi sebuah dokumenter yang begitu powerful, menghasilkan banyak emotionally disturbing moments yang tak pernah dapat dilupakan. Suatu presentasi menakjubkan dan extremely well-crafted yang berisi ribuan tanda tanya besar tentang rasa humanis manusia yang mampu membuat anda selalu meringis sepanjang menit, tak ketinggalan pula dengan sentilan-sentilan satir mengenai negeri sendiri yang membuat anda mengelus dada sepanjang film. A great movie, that probably, you never want to watch it again.

Read More

Rizky Muzakki Wednesday, July 31, 2013  2 comments

[Review] Let the Right One In (2008)

"I'm twelve. But i've been twelve for a long time." ~ Eli

Bicara soal film tentang drama percintaan vampir dengan manusia, pasti yang terbersit di pikiran anda adalah seri film Twilight Saga yang punya banyak penggemar meski kerap dicerca kritikus itu. Walaupun tema film semacam ini kerap disepelekan, tapi tentu saja tema ini sama sekali tak bisa dianggap remeh hanya karena satu saga itu. Selain Si Negeri Paman Sam yang mempunyai romance vampir-manusia, ternyata di bagian bumi Eropa, tepatnya Swedia juga punya film semacam ini, Let the Right One In, yang disutradarai oleh Tomas Alfredson.

Perfilman Swedia mungkin saja salah satu yang termaju di Eropa. Sebelum digemparkan oleh The Girl with the Dragon Tattoo, dunia lebih dahulu dikenalkan lewat Let the Right One In atau yang berjudul asli Låt den rätte komma in. Film yang satu ini memang bisa dibilang merupakan kembaran Twilight Saga. Selain memiliki tema yang persis, kedua film ini juga sama-sama diangkat dari novel. Kalau Twilight Saga diangkat dari novel karya Stephanie Meyer, maka Let the Right One In diangkat dari novel karya John Ajvide Lindqvist yang rilis tahun 2004 lalu. Mungkin perbedaan yang mencolok dari keduanya hanyalah film Swedia ini berkisah tentang kisah vampir dan manusia yang usianya masih sangat belia, 12 tahun. Selain itu, jika Twilight Saga memiliki unsur fantasy di dalamnya, maka Let the Right One In malah punya nuansa horor yang mencekam.

Oskar (Kåre Hedebrant), merupakan seorang remaja Swedia berusia 12 tahun. Kehidupannya terlihat tak terlalu bahagia. Di sekolah, ia tak memiliki teman, apalagi ada beberapa teman sekelasnya yang kerap mem-bully Oskar. Bahkan, ia terlihat menyimpan dendam besar terhadap teman-temannya itu. Orangtuanya juga telah bercerai, dan Oskar saat itu tinggal bersama ibunya. Ya, Oskar memang tak mempunyai teman sama sekali, sampai akhirnya, seorang anak perempuan, Eli (Lina Leandersson), bersama 'ayahnya', Håkan (Per Ragnar), pindah ke apartemen di samping apartemen miliknya.

Suatu malam, seperti biasa, ia selalu melampiaskan kekesalan dan dendamnya dengan menusukkan pisau ke sebuah pohon. Di malam itulah ia bertemu dengan Eli. Hari demi hari, hubungan pertemanan mereka semakin dekat. Tapi, memang ada yang aneh dengan Eli. Jendela rumahnya selalu ditutupi, ia hanya keluar saat malam hari, dan 'ayahnya' juga sering membunuh orang untuk kemudian diambil darahnya. Ya, tentu anda sudah dapat menebak makhluk apa ia sebenarnya.

Let the Right One In boleh saja punya karakter utama yang masih remaja, namun jangan harap menemukan hal-hal berbau remaja di sini. Bahkan, kalau bisa dibandingkan dengan Twilight Saga yang PG-13, film ini malah terlihat jauh lebih dewasa. Let the Right One In memang sangat berbeda dengan film-film vampir lainnya, ia memang tak menawarkan sebuah kisah tentang vampir yang berburu mangsa dengan ganas dan dengan bebasnya meneror manusia-manusia di sekelilingnya. Film ini malah menawarkan jalan cerita yang jauh berbeda dan terkesan lebih nyata: seorang vampir yang tertutup, penyendiri, dan hanya hidup di sebuah apartemen kecil dengan perabotan seadanya, bahkan untuk mendapatkan darah saja, Eli harus menunggu 'sang ayah' membawakan darah segar untuknya.

Inilah yang mungkin membuat Let the Right One In menjadi sebuah drama horor menarik. Ia tak hanya mengandalkan nuansa horornya yang benar-benar mencekam, tapi juga dengan cerita yang unik dan diselami dengan begitu mendalam. Ya, untuk urusan drama, Let the Right One In juga punya naskah yang kuat, sekuat porsi horornya. Siapa sangka bahwa kisah cinta remaja berbeda wujud ini mampu tampil lebih kuat dan dewasa dibandingkan kembarannya?

Dari awal credit, sudah terlihat jelas bagaimana Let the Right One In akan mengalir. Ya, kesan pertama yang muncul dari film ini memang sunyi. Benar-benar sunyi, namun ditemani dengan kadar mencekam yang luar biasa. Sudah jelas, sang sutradara, Tomas Alfredson memang sangat berhasil membangun dan menyebarkan teror-terornya yang sunyi ke seluruh penonton dengan perlahan-lahan.

Tentu Tomas Alfredson tidaklah sendiri. Di belakangnya ada Hoyte van Hoytema yang menentukan angle-angle terbaik dalam dalam film ini. Sama seperti gaya penyutradaraan Tomas, gaya sinematografi Hoyte selain indah dan menawan, juga berhasil membawa suasana kekelaman yang pekat ke dalamnya. Ditambah lagi dengan penggunaan tone dan lighting yang terasa benar-benar pas untuk ukuran film sesunyi ini. Plus, latar musim dingin juga terlihat cocok untuk Let the Right One In.

Tomas Alfredson juga ditemani oleh Johan Söderqvist yang menjadi orang dibalik scoring Let the Right One In. Scoring arahannya tidaklah terdengar heroik, apalagi pyschedelic. Yang ada, hanyalah scoring yang mengalun dengan pelan, lembut, dan melankolis, meski ada beberapa yang terdengar menggebu-gebu. Mungkin tak terdengar cocok bagi sebuah film horor, tapi percayalah, scoring inilah yang malah menjadi salah satu pendorong utama hadirnya atmosfer horor itu sendiri.

Dalam jajaran aktingnya, Kåre Hedebrant dan Lina Leandersson berhasil menjalankan tugasnya masing-masing dengan sangat baik. Kåre Hedebrant dapat menampilkan penampilan natural tanpa paksaan sebagai remaja korban bullying. Lina Leandersson juga berhasil menghidupkan karakter vampir yang kesepian. Terkadang, ia dapat menjadi seorang gadis manis, namun dalam sekejap pula, ia dapat berubah menjadi pemburu darah. Jika disatukan pun, keduanya juga mampu menjalin chemistry yang sangat kuat.

Jangan lupakan pula bahwa film horor yang satu ini membawa sebuah moral kuat yang berangkat dari sebuah kritik sosial. Tentu, moralnya bukan seputar bunuh-membunuh seperti yang terlihat dari kemasannya. Ya, apalagi kalau bukan tentang bullying. Itu semua terlihat dari perlakuan teman-teman sekolah Oskar yang selalu berlaku tak baik terhadapnya. Bisakah anda membayangkan, rasanya dicambuk dengan ranting pohon? Atau bahkan... ah, lupakan saja. Setidaknya, bagi anda para pem-bully, berhati-hatilah, karena bisa saja orang yang anda bully mempunyai sahabat seperti Eli.

Let the Right One In merupakan drama percintaan vampir-manusia yang mungkin terlihat usang, namun sesungguhnya film ini menawarkan hal yang terbilang baru. Ceritanya cukup sederhana, namun tak dapat dipungkiri memang sangat menarik untuk diikuti. Perpaduan porsi horor dan drama yang dibuat juga begitu seimbang. Di satu sisi, Let the Right One In merupakan sebuah film yang kuat dalam dramanya, ditambah  lagi dengan chemistry erat dari Kåre Hedebrant Lina Leandersson. Di sisi lain, film ini juga merupakan film horor yang mencekam yang hening namun tetap sadis. Kali ini, Swedia sangat boleh berbangga dengan Let the Right One In. Bahkan, tak ada salahnya untuk menyebut Let the Right One In merupakan film vampir terbaik yang pernah ada.

8.5/10

Read More

Rizky Muzakki Tuesday, October 23, 2012  2 comments